caminitos quemados

Been Listening.

2012-02-05T06:27:00.001-08:00

Descubrir a Johnny Flynn ha sido todo un hallazgo. Le adjetivamos desde ya como "cantautor" pero talentoso él, se le conoce también como poeta y actor de teatro. Lo cierto es que sus “videos oficiales” funcionan más allá de meros vehículos comerciales. Se hace acompañar por una banda llamada Sussex Wit y juntos, dieron forma al fantástico Been Listening . A unas canciones buenísimas, le suman, además de lo habitual, mandolinas, cellos y trompetas, remitiéndonos desde una perspectiva contemporánea – la edad manda – a unos estilos y unas maneras de hacer música que para variar, y afortunadamente, no entroncan únicamente con la gravedad esotérica de los grandes nombres del folk-rock británico sino que descubre que hubo (y hay) otros referentes dentro de ese cajón de sastre que rescata la tradición desde otras estéticas más lúdicas. Eso no quita para que sea un disco bucólico, preocupado y oscuro pero permitiendo un cierto respiro luminoso de corte a corte. La portada lo cuenta todo.

Chimes Of Freedom.

2012-02-05T06:04:00.000-08:00

Amnistía Internacional conmemora su cincuenta aniversario con Chimes of Freedom, un cuatruple cedé que reune a un montón de artistas para recrear las canciones de Bob Dylan. Flogging Molly encajan el clásico en su repertorio con facilidad y sin medias vueltas, le extraen toda la savia irlandesa que se adivinaba.

Mean Black Cat.

2012-02-05T03:54:00.000-08:00

Al escuchar Mean Black Cat te das cuenta de que grabar discos debe de ser esto. Lo demás, quizá es otra cosa, mucho más técnica y aparentemente trascendete. Este, es el segundo larga duración de Cut In The Hill Gang, un experimentado cuarteto, comandado por otro Johnny Walker, el hombre que rezumaba "saber hacer" al frente de los Soledad Brothers y que cuando se mete en un estudio debe encontrar algo de rutinario en todo aquello, pero sin que eso sea necesariamente malo. Al contrario, en estas diez canciones despiadadas se siente un "sólo lo voy a decir una vez" y la maquinaria, generosamente engrasada, segrega rock & roll y blues poco destilado y más o menos digestivo. Me apabulla ver la pericia con la que revuelven los géneros hasta que ya no sabes cuales son los ingredientes; esa corriente fascinante que desemboca en un nuevo folklore en el que John Lee Hooker emparenta con The Kills en un cancionero inapelable que ya no distingue de calendarios y de genealogismos musicales. Y Cut In The Hill Gang son los últimos o los primeros de ese catecismo bastardo y registran en cuadras o cocheras la palabra de los pioneros.

La espina en el costado.

2012-02-05T03:35:00.000-08:00

Between the Concrete & Clouds es el título del último disco del prolífico Kevin Devine, y creo, el que le puede suponer un salto cualitativo, por alejarse sobre todo de sus influencias más evidentes, que a pesar de sus estupendas canciones, le dejaban un poco tapado. En esta grabación desbroza de arreglos uno de los temas del disco y nace uno nuevo. Parece que en eso de dotar a todas las composiciones de un sonido más unitario, empleando siempre los mismos instrumentos, le había dejado con las ganas de dar otra versión de los hechos.

Happening For Love.

2012-01-01T08:59:00.000-08:00

Las moquetas, los pubs desgastados, las fábricas cerradas, los barrios venidos a menos, las fotos del mar abierto en papel de revista arrugado o las granjas de ciudad podrían inspirar grandes canciones de aliento electro-acústico. El autor de este Happening for love, experimentado obrero del british pop, primero como bajista de The La´s y después como cantante de Cast, lo sabe bien y rindiéndose a su condición de buen "liverpooliano", se descolgó en 2003 con este gran disco repleto de canciones inmediatas hechas de rock - pop de cuarto de estar, blues enjuto y english folk proletario. Aquí, John Power tributa a sus referentes con oficio y suena tan bien, que parece que ha divisado tierra firme.

Beat the Drum.

2012-01-01T07:17:00.000-08:00

Y Tim Easton sigue respondiendo a la pregunta: ¿Cuántos T.E. caben en T. E.? Me gusta pensar que la vida en el desierto de Josuah Tree es como en Doctor en Alaska; sales, entras, esperas el tren, pintas una roca al óleo, invocas a Joe Strummer junto a una hoguera, haces una foto a un pájaro distraído.

Floating.

2011-12-11T08:39:00.000-08:00

Supe de Greg Trooper porque era el compositor de Everywhere, una de las canciones que más me habían gustado del Billy Bragg de Don´t try this at home. En las notas interiores de este Floating, el gran Steve Earle recordaba la primera vez que escuchó a este hombre y alababa sus dotes como escritor de canciones. Para este disco, se convocó sólo a los músicos estrictamente necesarios para vestir a las composiciones a imagen y semejanza de su autor, un tipo sencillo que gusta de llevar sombrero y un poco, con aspecto de cómico de monólogos. Aquí, hay baladones country-soul con órgano, ritmos trotones, medios tiempos folk y temas añejos con sabor a pequeño clásico.

Cybertropic Chilango Power.

2011-12-11T08:15:00.000-08:00

El exuberante título de este disco refleja perfectamente su contenido y la ambición sonora que desplegaba. Los De Abajo, banda mexicana asociada a la escena ska nacional y con cierta proyección exterior al editar en el sello Luaka Bop de David Byrne, representaban lo mejor del hambre cultural, dinamismo y creatividad que mostraban grupos como Fabulosos Cadillacs o Maldita Vecindad. Para Cybertropic Chilango Power subrayaron su raigambre local y destaparon un puñado de canciones apasionadas y redondas. El tiempo pasado revela que fue esencial Dani Carbonell (Macaco), quién produciendo el disco no sólo dotó a las canciones de una acertada y respetuosa patina tecnológica sino que creo, supo contener y ordenar el torbellino rítmico y los excesos de Los De Abajo. Lo que salía era un disco rematadamente urbano, callejero pero estiloso, y que se nutría, a excepción de algún apunte balcánico y salsero, de patrones tradicionales mejicanos.

Passenger.

2011-12-11T07:45:00.000-08:00

Por un lado, Lisa Hannigan hace gala de una voz dotada de una clara sensibilidad pop mientras que por otro, el utillaje con el que urde sus canciones, anda más cerca de la música tradicional, aunque instrumentado hacia una ejecución bien contemporánea. Y ese es un poco el concepto de esta antigua compañera de Damian Rice, su parcela es, dígase, la canción irlandesa porque ella es… irlandesa y su manera de presentarse, de vestir y de estar es manifiestamente… irlandesa. En su nuevo disco, Passenger, la produce el norteamericano Joe Henry y se nota en la selección de músicos y el extremado cuidado con el que se arreglan las canciones, repercutiendo todo ello en un acabado mucho más definido que en el anterior y primer disco, a pesar de utilizarse básicamente, la misma instrumentación. La sucesión de cortes se desenvuelve con bastante calma en general – aunque el tema que lo abre resulta un tanto vehemente -, y Lisa guitarra, ukelele o mandolina en ristre, preside las tonadas con cierta afectación natural pero siempre con esa sensación de que parece no querer molestar demasiado y así, cuando termina la pista diez, pasa lo que pasa.

The Eleventh Hour.

2011-12-11T03:59:00.000-08:00

Rod Jones, el guitarrista de los escoceses Idlewild presenta en sociedad The Eleventh Hour, el primer disco de su recién creada banda The Birthday Suit. Mientras su compañero Roddy Woomble ha explorado con grandes resultados, y siempre primando su posición de cantante, su interés por la música escocesa tradicional y por un folk-rock más o menos conocido, Jones ofreció con A Sentimental Education, su primer disco en solitario – publicado bajo su propio nombre -, un distinguido acercamiento acústico y pastoral con inusitadas paradas en un folk evolucionado lánguido a veces, otras combativo y siempre, revelando un marcado imaginario local. Muchos aspectos de su debut se conservan ahora en este proyecto grupal, pero ahora con una clara voluntad eléctrica que arrima estas nuevas canciones a los primeros trabajos de Idlewild. Este es sin duda el aspecto más celebrado de The Eleventh Hour, un muestrario rock, de producción austera y con algunas canciones verdaderamente buenas, en las que prima la inmediatez y la frescura de un sonido en el que participan en igualdad de condiciones los riffs y la distorsión eléctrica y la contribución de las cuerdas representadas por el violín y el chelo. Lo mejor de The Birthday Suit, la apreciable falta de pretensiones y la familiaridad que desprenden.

Ritos de tránsito.

2011-12-11T02:07:00.000-08:00

La natural discreción de Buddy Miller le emparenta con los grandes secundarios, un loado actor de carácter cuyo reconocimiento, se limita aparentemente a su destacable papel como acompañante y colaborador de por ejemplo una Emmylou Harris. Es, claro, un extraordinario guitarrista, dueño de una digitación bastarda en la que conviven armónicamente el country y el soul sureño y dueño también de una versatilidad que lo mantienen vigente y reconocible en el devenir de estilos o artistas que se arriman a las músicas americanas. Además, es un notable cantante y compositor y como muestra, está canción exquisitamente interpretada, incuestionable aportación al acervo popular y otra historia única y conmovedora con un protagonista afligido en busca de un poco de descanso.

An Appointment with Mr.Yeats.

2011-10-30T04:27:00.000-07:00

El hecho de que Mike Scott, trabajando bajo la marca The Waterboys, ya hubiera manifestado musicalmente su admiración por el poeta y dramaturgo irlandés William Butler Yeats, presagiaba cierta indiferencia ante el anuncio del lanzamiento de An appointment with Mr. Yeats. Pero no tanto porque las últimas entregas de The Waterboys fueran deficientes, al contrario, en Karma to Burn se reivindicaba un directo poderoso y en Book of Lighting, con sus altibajos, ofrecía un balance notable en canciones y en producción. Las dudas iban más por el tratamiento que las adaptaciones iban a tener, pues un rutinario argumento acústico parecía una de las opciones. Ahí no se contaba con el hecho de que Mike Scott encontró en Yeats a un colaborador, antes que a un vetusto escritor al que rendir pleitesía. Con su relación con el mito perfectamente normalizada, no duda en reunir a una banda heterogénea con paradas en varias generaciones. Por supuesto está el violin de Steve Wickham, pero también la clase a los vientos de Kate St. John, o la formidable y perturbadora voz de Katie Kim. En definitiva, una nutrida selección de músicos que le brinda a Scott unas posibilidades y una confianza de la que carecía desde las sesiones del Room to roam. An appointment with Mr. Yeats explora un sonido reconocible rebuscando en el mejor legado de The Waterboys pero sin remilgos, con la magnética voz de Mike Scott sumando logros expresivos a base de robustas canciones y dotando a la iconografía celta del escritor de un agradecido armazón eléctrico. No estaría mal ver en las listas títulos aparentemente extemporáneos como The Hosting Of The Shee, News For The Delfic Oracle o An Irish Airman Foresees His Death. De hecho, temas como Sweet Dancer o la adictiva Politics son verdaderos himnos pop, y como tales, capturan vivos los vientos que se filtran en estos tiempos nuestros. Exactamente, lo mismo que hacían The Waterboys hace más de veinticinco años.

Las cenizas.

2011-10-30T02:52:00.000-07:00

Siempre al borde de convertirse en caricatura de los peores tópicos del rock and roll, Ryan Adams estaba acorralado. Desde hace diez años produciendo discos que son recibidos con desgana, aunque también con cierta tolerancia y es que cualquier mínimo acierto se tendía a interpretar como una vuelta en condiciones. Al final siempre ganaba el pulso, logrando que la crítica participara complacida de su desorientación, alabando sus días buenos, cuando extraía oro de sus derrotas y de su aparente inseguridad. Ahora se revela con un video bonito y extraño sin aparente hilo argumental. Una canción que es un encomiable ejercicio de síntesis y que no defrauda.

Diamond Mine.

2011-09-03T06:07:00.000-07:00

Kenny Anderson es un veterano de la escena alternativa escocesa, extendiendo sus redes desde el folk y el rock y embarcado desde hace años en diversas historias unipersonales o compartidas con otros artistas como la efímera banda de culto Karthoum Heroes. También es el responsable de Fence Records, ese sello-comuna que en los últimos tiempos no ha parado de editar discos interesantes en un terreno musical indefinido pero siempre estimulante. Últimamente, Anderson funciona bajo el alias de King Creosote y es con esta encarnación que decidió sumar esfuerzos al inglés Jon Hopkins para componer y producir el inesperado álbum Diamond Mine. Las costas escocesas y en concreto, las playas y los pueblos pesqueros del East Neuk han servido de inspiración para dar vida a este relato, eminentemente artesanal, sobre un lugar y un modo de vida, varado en el tiempo y ajeno al ruido al que nos hemos habituado. La labor de Hopkins, productor y autor de bandas sonoras pasa por aportar sus grabaciones de campo y las brumas electrónicas que acogen los instrumentos y la voz lánguida de King Creosote. El resultado es intencionadamente discreto, pausado, pretendiendo ser descriptivo pero reservando su espacio para la sugestión. Un viaje abierto, costumbrista y romántico que parece murmurar sobre incontables vidas cruzadas e identificadas con un entorno que es el que ejerce de verdadero narrador.

The Hill.

2011-09-03T02:21:00.000-07:00

Con este disco se presenta en sociedad James Walbourne, joven músico británico de ecléctica y prolongada trayectoria pero que por vez primera encabeza su propio proyecto. The Hill, es una agradable sorpresa en la que Walbourne ratifica sus dotes como guitarrista, hábil y siempre comedido y se revela como un convincente autor y cantante. Las canciones y el arte del disco, evocando el barrio londinense de Muswell Hill, construyen un entramado de historias, preferentemente urbanas, que remiten en su sonido al country y al blues en dialogo continuo con el pop británico de toda la vida y hasta un singular acercamiento a la raíz celta. Walbourne ha ejercido como músico de acompañamiento de Son Volt, Edwin Collins, The Pogues o The Pretenders y es ese bagaje el que se deja notar en el disco, un buen puñado de estilos puestos siempre al servicio de la canción y combinados con pasmosa naturalidad. Aquí, hay tradición y también renovación, esa frescura que quizás aporta el haber pasado tanto tiempo como músico de apoyo y sin la presión que impone el protagonismo. The Hill se rubrica con la participación de músicos de renombre como James Fernley de The Pogues o el prestigioso y ubicuo batería Jim Keltner.

La música del diablo.

2011-08-09T08:36:00.000-07:00

Uno de los números más celebrados de Circuital, el último disco de My Morning Jacket, es este Holdin on to Black Metal, canción-vodevil realzada por este video bizarro que gustaría a los Fabulosos Cadillacs de Fabulosos Calavera. Una entidad extraterrestre secuestra a la orquesta de Xavier Cugat y les obliga a ejercer de robots en un olvidado teatro sureño plagado de espectros chupasangres. Los robots se terminan convirtiendo en los nuevos amos del rock de estadio y someten a su publico a base lounge machacón o casi...

100 broken windows.

2011-08-09T07:21:00.000-07:00

En 2010 se cumplieron los diez años de la publicación de 100 broken windows, el segundo disco de la banda escocesa Idlewild. Con este motivo se editó una special edition con el disco original remasterizado y otro adicional con el consabido material extra. En este caso, un segundo cede con la inclusión de maquetas, caras b y las legendarias sesiones con Bob Weston (Shellac) que completarían en los estudios de Steve Albini en Chicago. Con 100 broken windows, la banda optó por Dave Eringa como productor con quién siguen trabajando en la actualidad, desquitándose así del decepcionante resultado de su primer disco ( Hope is important), y obteniendo en los Estados Unidos el éxito comercial que hasta entonces se les había negado. Las doces canciones del disco destilaban por fin la solución a la que Idlewild aspiraba: aunar con naturalidad cuidadas melodías con guitarras noise. Lo consiguen a través de un sonido más corpulento y también más matizado, que deja a un lado los fogonazos punk y la indefinición que en general acusaba el anterior disco. Igualmente, en las letras también hay un salto cualitativo, nutriéndose a veces, de los escritos por ejemplo de Gertrude Stein, que entonces captaban el interés del cantante. El segundo cd muestra a unos Idlewild, preocupados por encontrar un sitio y desarrollarlo a partir de una de sus pasiones, el post hardcore americano y en especial, las bandas de rock anguloso priorizadas en el sello Touch and Go (June of 44, Fugazi, Slint,...). A partir de ahí, acometen en este disco suplementario auténticos ejercicios de estilo con aciertos notables, además de revelar ya su querencia por la música británica más ligada al terruño como atestigua la versión de Sandy Denny y como años después corroborarán como grupo y a través de los escarceos en solitario del cantante Roddy Woomble y del guitarra Rod Jones.

Lorenzo 1999 Capo Horn.

2011-07-30T08:52:00.001-07:00

Lorenzo Cherubini, alias Jovanotti, es un músico italiano, incansable explorador y trabajador del rock, del funk, del hip-hop y de todos aquellos géneros que sirven para dar forma a su pop heterogéneo, humanista y universal. En los años 80, alcanzó el éxito como un anticipo frívolo de sí mismo, servido para adolescentes y con cierto recorrido incluso por España. Después y resumidamente, vino la conversión a Public Enemy en forma y contenido, al funk setentero y a una conciencia evolutiva inédita en cualquier otra estrella juvenil de su condición. El éxito comercial, le continuó acompañando y hoy, se mantiene consciente en los escenarios italianos y de parte de Europa, además de disfrutar de un estimable halo de prestigio internacional que le ha reportado algunas colaboraciones de interés y apariciones en discos y conciertos colectivos, muchas veces ligados a causas solidarias y de agitación social, además de perderse de vez en cuando en notables experimentos libres y apatridas como “Roma” o el reciente “Oh Yeah”.

De Lorenzo no hay disco malo, pero la adrenalina y el asombro que inyectó su obra de los 90, cuando cada publicación fue una revelación y cuanto menos un revulsivo, se guarda todavía como un cuerpo de trabajo único, frondoso y repleto de territorios vírgenes descubiertos y coherentemente preservados para los años venideros porque si bien estos discos le han allanado el camino y permitido hacerse con muchos lenguajes posteriormente utilizados con solvencia, no los ha perpetuado, ni autoexpoliado sino que ahí quedan indemnes como vigentes retratos de su periplo vital. El llamado “1999 Capo Horn” cierra el siglo y aguanta sobre sus surcos digitales todas las incertidumbres y esperanzas que se manifiestan con el Cambio de los Tiempos.

Lo ubicamos detrás de Lorenzo 1997 L´Albero, un disco deslumbrante, curioso y preocupado por lo que ocurre en su barrio, a la par que en los países más desfavorecidos, armado a base de funk negrísimo y deconstruído y de briosas descargas afroamericanas que emparenta promiscuo con la vertiente más melódica de su tierra. Es una suerte de afro-pop deslenguado y con genio, anticipo de Vampire Weekend o Animal Collective o de toda la resurrección del Afrobeat y de congoleños electrificados. La exhuberancia de 1997, dará paso en 1999 a una contención y a una síntesis musical que es una reacción pero también un remanso cosechado de nuevos aires más fácil de digerir que su precedente. Capo Horn es reflexivo pero también inconsciente, hermético pero también accesible a todo público. Representa una sonoridad sintética y orgánica irrepetible, orgullosamente mediterráneo pero reconocible en todo el orbe.

Las canciones están escritas en la Patagonia o en el Sahara pero también en la Cortona y en Milán y como la portada del disco parece sugerir, no son más que los mensajes de un hombre siempre asombrado, que experimenta de la misma manera un paseo hasta la frutería de al lado de su casa como un viaje a la urbe más superpoblada del planeta. Capo Horn arranca con Per Te y el intimismo sinfónico de una canción dedicada a la hija que acaba de nacer, contiene también algunas de sus “canciones románticas” más celebradas, la rendida Un Raggio Di Sole y la fabulosa Stella Cometa pero también hay temas agitados que claman por la necesidad de la disidencia, levantados sobre un sonido grave y seco como Funky Beat-O, Non C´e´Liberta o Dal Basso, esta con el apoyo vocal del entonces amenazante Michael Franti. En catorce cortes hay también remotas trasposiciones de El Principito como Tutto Puo´Succedere o desvaríos cósmicos de hip hop mutante como La Vita Nell´Era Spaziale. Y más, vueltas vespertinas con swing soleado, consignas de electro tribal y muchos versos, listas y apuntes recitados sobre bajos, baterías, sampleados y programaciones.

Capo Horn registra a pesar de ese eclecticismo un sonido compacto e identificable en cada una de sus canciones, un vehículo que cristaliza un manejo sobrado del pop italiano de siempre y la mejor música afroamericana. Hay aquí un envoltorio sonoro que se mezcla y confunde con las palabras en un viaje al presente, el de 1999, que ofrece también vistas a un futuro que no ha existido o mejor, que todavía no ha ocurrido. Es también, un álbum de viajes local y global, hecho con un objetivo integrador que celebra la diferencia como instrumento de comunicación y que aún con todas sus ambiciones y observaciones alucinadas, se reconoce sincero en sus limitaciones y se exhibe humilde ante los cambios que se suceden, casi siempre, sin posibilidad de controlarlos o comprenderlos pero con los buenos presagios como deseo.

Oh Tall Tree in the Ear.

2011-07-10T08:59:00.000-07:00

Además del título de un disco de Elliot Smith, Roman Candle, es hoy el nombre de una banda de North Carolina que desde 1997 vienen facturando estupendas canciones entre el pop y el rock americano de influencia más o menos indie. Hasta el momento Oh Tall Tree In The Ear – titulo ilustrado tomado de Rilke, el poeta – es su último y mejor disco, unas canciones de aquí y ahora, rotundas y ensoñadoras también. Why Modern Radio is A-OK, They Say o Woke Up This Morning son ejemplos de pop superlativo, canalizado a través de muchas guitarras y de un teclado que no es mero acompañamiento sino un hábil interlocutor de esa voz inflamada y despejada que comanda todas las canciones. Un disco de luces y de vistas, con una melancolía combatida y disfrutada a base de paseos matutinos y excursiones de verano.

4 Aces.

2011-07-10T08:24:00.000-07:00

A través de Texas Tornados, descubrí el Tex Mex, y estreche lazos con mucha música americana mestiza, apasionante organigrama de vasos comunicantes. Cuando salió este disco, allá por 1996, había paladeado las alegrías que proporcionaban esos estilos que discurrían caudalosos entre Texas y México y que hace ya muchos años, se habían venido encontrando felizmente con el rock and roll. Los Texas Tornados eran una auténtica all star del género, con cuatro nombres representativos de la mejor herencia tejana: Doug Sham, Augie Meyers, Flaco Jiménez y Freddy Fender. En 4 Aces, se reivindicaban como históricos del sonido de la frontera y tras una portada que es casi una película de Walter Hill y que me encanta, presentaban doce canciones, cuidadosamente arregladas y con ayudas ilustres – Jim Dickinson, Ry Cooder, Rosie Flores – llenas de épica de Río Grande, humor tasquero y country regional. Perfecta fotografía de un “tercer país” que vive bajo los radares y que no conoce más fronteras que los ríos y los desiertos.

Hear my song.

2011-06-12T09:34:00.000-07:00

Peter Chelsom, antes de diluirse casi por completo en la voraz máquina de Hollywood, dirigió algunas peliculas fabulosas que transitaban amablemente por una especie de costumbrismo mágico con bastantes toques biográficos. En 1991 presentó Hear my song ( aquí estrenada como Algún día te encontraré), entrañable fabulación sobre el tenor Josef Locke, quién tras cosechar gran éxito en tierras inglesas tuvo que retornar y desparecer en su Irlanda natal a causa de problemas con el fisco. Años después regresaría a Inglaterra y es con esa premisa, que Chelsom construye una historia en la que un promotor teatral emprende un viaje homérico hacia las colinas verdes para encontrar al hombre y convencerle para que de un último recital. En youtube se encuentran varios videos de los momentos musicales, especialmente emocionante el reencuentro del público con Locke en Torna a Surriento. El gran Ned Beatty interpreta al cantante.

Mouth to mouth.

2011-06-12T06:46:00.000-07:00

Una vez dominado por completo un estilo que bebía por igual del rock y del punk, atravesado de música celta y de luminosas melodías pop, Levellers decidieron magnificar y "alternativizar" su sonido en un album sin desperdicio, que si bien les alejaba de los arreglos combativos más evidentes en sus trabajos anteriores - ese violin en primer plano - arrancaba un puñado de buenísimas canciones que, sin hacerles perder sus señas de identidad más reconocibles, les hacían parecer casi otra banda. Si bien en las letras, continuaban sin más con las relaciones personales, la agitación social y la imaginación como medio tranformador y evasivo frente a la confusión y apatía, instrumentalmente se mostraban menos enmarañados, más definidos y hasta con suntuosos arreglos orquestales en algunos temas.

Corría el año 1997 y este disco les brindó la oportunidad de chapotear en las listas de éxitos y obtener un extraño reconocimiento como parte de la pléyade de grupos que nutrían las filas del entonces laureado brit pop. Canciones como Far Away, Celebrate o Dog Train competian comodamente y junto a otras, descubrían una pequeña senda experimental, a su manera, que consolidarían y agotarían en su posterior disco, el notable Hello Pig. Además, en Mouth To Mouth está Beautiful Day, canónica canción que desprende desde el primer segundo y en cuatro minutos toda la melancolía y la gracia que andabas buscando.

El pájaro tiene un plan.

2011-06-12T05:51:00.000-07:00

Cosas que hacer cuando no haces la siesta.

La Piel.

2011-06-12T05:16:00.000-07:00

Esta banda de San Sebastian debutó y puso fin a su trayectoria con un disco homónimo rotundo. De los pocos que todavía conservo en cesette. Diez canciones vigorosas, cada una de ellas representando un camino diferente y todas, enmarcadas en un pop rock de línea clara maleado en aires de bolero, de rumba o hasta brisas mexicanas con unas letras precisas y tremendamente bien acabadas. Desconozco cuanto estuvieron funcionando esta gente antes de grabar pero "La Piel" desprende una claridad de ideas y una autoridad que todavía estan buscando multitud de bandas, que surgireron después, y que todavía funcionan alineadas en esa especie de suerte de pop ibérico de fm.

La huída también era esto.

2011-03-20T08:50:00.000-07:00

Hay veces que no entiendes la letra, o no quieres entenderla u oyes lo que quieres oír pero escuchando La Huída, el segundo corte del nuevo disco de Fabián, me pareció advertir un “no dejes que las canciones se conviertan en caminos”. En realidad, la letra dice no ves que las canciones se convierten en caminos, pero como lo dice... Hay cierta suplica en ello y al final, el significado se solapa con lo que inicialmente había entendido. Me había gustado tanto su anterior disco, que estaba aguantando la respiración hasta que apareciera este Después del incendio y otras cosas así, flamante novedad desde la propia portada y el chulísimo empaquetado con que se presenta. Y después de varias escuchas y algunos juegos inesperados de percepción, me encanta tenerlo de vuelta, con más brío eléctrico, con un traje sonoro clásico pero singular en el detalle, cuidado hasta el último doble e incorporando en las letras una apreciable carga de experiencia, desde las crónicas evocadoras, más o menos narradas hasta aquellas que nos cuentan sobre aquello del oficio de escribir e interpretar canciones. Ay, son estos artistas los que ponen en evidencia lo vetusto y anquilosado de nuestras escenas musicales, tan rígidas y preocupadas por distinguir a los buenos de los malos. Habría que olvidarse, borrar las listas, escapar del maldito estatus, de los mensajes ocultos y activar la curiosidad para no olvidarse de Fabián, que el premio vale un potosí. Que no, que no pasa nada si las canciones no se convierten en otra cosa.

The King is dead.

2011-02-20T07:06:00.000-08:00

Las copas de los árboles recortadas con el cielo abierto y el título, The King is dead, avanzan la impronta que deja el último disco de The Decemberists. Una vigorosa proclama que declara el fin de las estaciones más duras pero sin poder dejar de lado, una melancolía y un sentimiento de derrota anticipada que, ahora que el rey ha muerto, no es más que la incertidumbre de lo que vendrá después. Tras el reto progresivo y un tanto indigesto de The Hazards of Love, la banda se recluye en una granja enclavada en un bucólico paisaje, y desprendiéndose de su barroquismo habitual, se entregan a unas canciones que tras sucesivas escuchas van ganando en amplitud, dando vida a un folk-rock de brillante acabado, poblado por acordeones, armónicas y cristalinos punteos eléctricos. Puede parecer más fácil pero es al revés; aquí no hay sutilezas aparentes, y la voz, no susurra apocada sino que clama en pleno campo, no como una plegaria sino como una celebración consciente de lo que se ha perdido.

¿De dónde viene la luz?

2011-02-13T08:48:00.000-08:00

Parece que se reunen para dar un concierto en una emisora de radio y sin embargo, están contribuyendo a un muestreo para una novedosa propuesta científica que habita entre la alquimia pictórica y la física. Un complejo artilugio revestido de espejos registra y distribuye las ondas que genera la música. El objetivo es atrapar el volumen del sonido a través de la refractación.

¡Let Freedom Ring!

2011-01-30T08:32:00.000-08:00

Chuck Prophet está que se sale. Hace unos días estaba incendiando, pletórico, las salas españolas con su recreación del London Calling de The Clash y en esas que reparo en ¡Let Freedom Ring!, cuyo primer tema curiosamente parecía barruntar el homenaje clashistico. Es su último disco hasta ahora, grabado en México, D.F., con un montón de canciones buenas que ya quisieran para sí cualquier oso o vaca sagrada de la América del Norte, y con una intensidad y un ambiente que le reinventan y le reivindican de nuevo, como uno de los songwriters más inspirados que tenemos en lo del americana? Por cierto, la singular estampa de portada me da que tiene un nosequé a la portada de El Singapur de Ángel Petisme.

ExPLENDID BEHAVIOUR ARRIVAL.

2011-01-30T07:34:00.000-08:00

Conexiones y antojos más o menos extravagantes. Me gustaría decir The Pogues (sin Shane McGowan) y Gabriel Sopeña antes que Tom Petty o Tom Waits o Robi “Draco” Rosa antes que Bob Dylan pero podría resultar, eso, una salida de tono. Este ExPLENDID BEHAVIOUR ARRIVAL, pertenece por vocación a ese apartado de artefactos bastardos y mestizos, que parecen germinar fruto de la amistad y de la casualidad. Y E.B.A. es el nombre que Alfonso Casasnovas y Alan Boguslavsky adoptaron para este proyecto, músicos con un currículo alejado sobre el papel pero compartiendo encuentros y claves comunes. Estas canciones, que por su alineación con un sonido americano fronterizo, más o menos reconocible, parece que se hallaron huérfanas allá cuando se publicaron en 2003, adelantándose en cierto modo a la enorme exposición que ahora sí que tienen estos estilos. Pero veamos más allá porque si bien puede valer esa etiqueta, el todo es pues mucho más que la suma de las partes, como se aprecia al comprobar que el disco empieza de una manera para luego seguir de “otras” bien diferentes, en una especie de trova mutante con una mano en El Portillo y otra en El Paso, que va haciendo la ronda entre brisas de guitarra, confesiones arrebatadas y/o alucinadas, falsetes relajados y juegos bilingües. “No quiero ser aquél tipo del año pasado”, dice el tema de apertura. Si tú tampoco, escuchar estas canciones puede ayudar.

Say Sha Sha.

2011-01-09T07:20:00.000-08:00

El pop tiene esas cosas tan buenas. Cada cierto tiempo aparece un imberbe que se maneja con pasmosa facilidad/habilidad en lo de componer e interpretar canciones de porte clásico, sin aderezos, ni coartadas artys. En Sha Sha, publicado en 2002, el talentoso Ben Kweller, alternaba reconfortantes baladas a piano y gozosos riffs de guitarra para retratar esa música americana sobre la que aparentemente siempre resulta muy poco atractivo hablar pero que tampoco se prodiga tanto en disco, al menos en discos buenos.

Postal desde ¿Arjeplog?

2010-12-26T09:29:00.000-08:00

También puedes leer mi postal - y perderte - en el siguiente enlace:

http://dersony.blogspot.com/2010/12/una-postal-de-htar.html

El significado de la Navidad.

2010-12-25T03:01:00.000-08:00

Como no puedo proveer de una copia a todo el mundo, aquí va mi set-list recomendado para un recopilatorio de canciones navideñas y que cada uno/a se las componga. Y si no, me lo dices y te lo grabo, que no me cuesta nada. Feliz Navidad.

1. Donna and Blitzen Badly Drawn Boy
Maravillosa canción rescatada de uno de mis discos favoritos, la banda sonora de Un niño grande (About a boy). Un tierno merry christmas y todo lo demás un crescendo que no cesa, adoptando la forma de un majestuoso villancico de interiores.
2. Soul Dan Bern
El incansable y dylaniano trovador judío en una canción de rotundo estribillo que rescata de una memoria popular que no existe. Máxima inspiración.
3. Rey Mago de las Nubes León Gieco
Lujoso acompañamiento americano para esta preciosa dedicatoria a los niños del mundo pero sin sonrojo.
4. Christmas is going to the dogs Eels
El hombre bajo el nombre de Eels encuentra en la Navidad un escenario idoneo para dar rienda suelta a su actitud furruña. Echando pestes con esa melodías te quieren más.
5. The day I saw Bo Diddley in Washington Square Willie Nile
Villancico que sólo lo es en la forma aunque celebra un día que ya no puede ser más señalado. Celebración irlandesa desde el corazón de N.Y.
6. Ave Maria Eleanor McEvoy
Clásico revisitado desde la cercanía habitual de la irlandesa, con su gusto para los arreglos y esa espiritualidad espartana tan suya.
7. Muhammad Ali (The Meaning Of Christmas) Greg Trooper
Todos querrían componer canciones como Greg Trooper, joya escondida de Nashville y siempre certero recreando sus postales vitales. Te podía haber pasado a ti.
8. God Rest Ye Merry Gentlemen/We three kings Barenaked Ladies & Sarah McLachlan
Las damas desnudas se pasan al western campestre y la Machlaclan baja por una vez a la tierra para insuflar nueva vida al clásico navideño.
9. Hey Santa Royal Crown Revue
Lo de Royal se lo han ganado a puro de descarados cañonazos como este. Imposible resistirse ante el llamamiento papanoelonico del swing angelino.
10. Maybe this Christmas Ron Sexsmith
Breve reiteración de la apabullante pericia melódica del canadiense. Ron Sexsmith debería estar componiendo siempre villancicos de esos que dan calor pero no lo son.
11. A Christmas duel The Hives & Cyndi Lauper
El duelo en la Alta Sierra de la musa que tenía una voz como un estilete y los minusvalorados tiranosaurios suecos.
12. When they ring the golden bells Heidi Talbot
Estupenda recreación del clásico de dominio público a cargo de otra irlandesa - celta - de alta graduación.
13. New York is a Christmas kind of town Marah
Para Navidad, salimos del barrio, vamos al centro y es un no parar. Como vivir en una postal.
14. Hallelujah Keren Ann
Esto es darle la vuelta al estándar coheniano sin que lo parezca. Hay algo aquí que no lo tiene ninguna de las otra versiones.
15. Fairytale of New York Jesse Malin & Bree Sharp
El más difícil todavía se salda con una diana. La fanfarria celta se asfalta y nace una nueva historia. Cuento de Navidad y los sueños se hacen realidad. Al menos, hasta la próxima parada.

¿Cambio de vida?

2010-12-19T08:09:00.000-08:00

La portada del último disco de The Thermals, con ese micrófono y ese cohete recién despegado casi hace pensar en Crónicas Marcianas de Ray Bradbury, compartiendo cierto desencanto y advirtiendo sobre esas pasiones que no tardan en desviarnos rumbo a la autodestrucción. No sabemos si esos dos están a punto de besarse, haciendo coros o bombeando su último suspiro pero consiguen mantener la expectación. Personal Life no es tan bueno como el anterior Now we can see, ni mantiene el mismo grado de exaltación pero conserva la concisión como virtud, además de alguna gran canción más. Y su cantante, sigue declamando con riesgo y autoridad. Él no lo sabe pero es el Mike Scott del indie-rock.

Extraños como nosotros.

2010-12-19T06:08:00.000-08:00

Neko Case es un ente perturbador, ya sea como parte de la armada pop de The New Pornographers o como femme fatale del americana. No se en que momento pasó de mirarte desde detrás de la luna de una cafetería a ponerse a hacer canciones como agujeros negros. Los saltos cuánticos eran esto.

Caminando lento.

2010-12-19T06:04:00.000-08:00

Grata sorpresa la nueva entrega de Los Pericos, banda argentina convertida en uno de los máximos exponentes del reggae "en español". Este disco, tenía que llegar un día u otro, una celebración vertebrada en una compilación de clásicos con nuevos enfoques y con mucho lustre, gracias a la colaboración de gigantes del género como Toots Hibbert o el recientemente fallecido Gregory Isaacs - gigante en Mucha experiencia-, además de un nutrido grupo de amigos cercanos encabezados por el brasileño Herbert Vianna. Aquí se dejan de experimentos y se recrean en su lado más modélico, ralentizando si es preciso y ratificando su presencia, más allá del abandono de Bahiano, el que fuera su carismático cantante. Estupendo volver a escuchar Sin cadenas, Waitin´o la poderosa Amandla.

Wake.

2010-11-28T07:15:00.000-08:00

Lo de las “nuevas músicas” y la new age fue un cataclismo de género. Desde las comisiones que etiquetaban los discos, los alabarderos del “file under” sólo contribuyeron a fortalecer el elitismo del jazz y de la clásica. Fueron tantas las teorías que ensayaron en sus cuerpos vampirizados que al final no los reconocieron ni sus padres. Y así hasta esas venenosas portadas de tonos pastel que anunciaban “sonidos de la naturaleza”. No sé donde se empezó a estropear todo.

Habitantes ocasionales y forzosos de esa tierra condenada a desaparecer, Dead Can Dance desarrollaron su carrera parapetados por un sello de rock mutante como 4AD, adecuada presentación para un una banda que era un dúo compuesto por Lisa Gerrard y Brendan Perry que se manejaba entre formatos pop y la investigación etnomúsical desde postulados clásicos.

La fabulosa recopilación de 2004 titulada Wake constata la habilidosa elegancia con la que resolvían la ecuación de cuando la música contemporánea se reconocía en el barro alternativo y se hacía entretenida. Lo de la Gerrad es de escalofrío pero canciones como The Carnival is Over se te enganchan.

En la montaña "todo es ella".

2010-11-28T06:23:00.000-08:00

Uno Rojo División de Choque: El cuelgue con Eduardo Galeano desembocó en una descarga de funk-rock de guerrilla, enfebrecido de referencias panalatinas alucinadas. Como en un Apocalipsis Now nicaraguense, quemando y saqueando desde el corazón de la sierra hasta el Estadio Obras.

Envidio a Dan Baird.

2010-11-01T06:44:00.000-07:00

Porque se sube al escenario con lo primero que pilla del ropero y se presenta con un entusiasmo que no sabes si se va de marcha o acaba de conocerse, como cuando luego te explica que se acercaba a Zaragoza, millas de estepa semidesnuda y lo flipa cuando se da de bruces con la urbe. Y se conoce de memoria por lo menos sesentaiseis palos del rock and roll, y se sacude y retuerce acompañado de tres tipos feos que se presentan con el feliz nombre, imposible no aplaudirlo, de Homemade Sin. Y porque canta orgulloso, invitando al coro, un pequeño hit que reza I love your period y riega el suelo del escenario como cuando The Georgia Satellites y entre una cosa y otra, le produce discos a mi admirado Chris Knight. Y al final, con una camiseta empapada y los mechones pegados a la cara, canta Helpless y no pide disculpas por no ser Neil Young.

A Song For You.

2010-07-25T10:02:00.000-07:00

La última encarnación de Whiskeytown se manifestó para contribuir a un homenaje discográfico a Gram Parsons. Eligieron o les encomendaron esta A Song For you, canción río que se revela aquí majestuosa y que más que ser interpretada parece ser convocada para envolver y transportar a los músicos que concurren en el escenario. Un Ryan Adams consciente y frágil oficia el ritual y con Caitlin Cary y James Iha entre otros acompañándole, terminan deshaciéndose dentro de la canción.

Ear Bleeding Country: The Best of Dinosaur Jr.

2010-07-25T09:42:00.000-07:00

Los discos de grandes éxitos devienen en producto perecedero en cuanto tienes un mínimo interés por el artista o banda de turno. Nos es fácil encontrar un best-of que bien sea por la selección, la secuenciación de las canciones o la presentación aspire a ser escuchado una y otra vez, levantando la cabeza y haciendo valer su singularidad ante el resto de discos que le han servido de nutrientes. Este recopilatorio de Dinosaur Jr. de 2001 merece ser destacado como el mejor disco de estos depredadores eléctricos y eso aún a pesar de que despacha rápidamente su mítica primera parte, la de los inicios en los 80. Eso sí, puedes escuchar Repulsión, Little Fury Things o Freak Scene, faltaría más. La gracia está en que no se deja nada de lo bueno de las sucesivas mutaciones del dinosaurio en los 90 e incluso recoge algún tema de J Mascis en solitario y hasta una canción incluída en una banda sonora. Todas imprescindibles. Y cuanto bien hacen todas estas canciones juntas. Los alaridos, las suplicas, el asqueo de Mascis, trasvasado directamente desde su cabeza a un aparato de ruido con melodías y viceversa. Ahora que el trío primigenio ha regresado con los monumentales Beyond y Farm hay que escarbar un poco para saber hasta donde lleva el agujero.

Picnic robótico.

2010-07-18T06:24:00.000-07:00

Y en la entrada anterior citaba a Damien Rice y por asociación de ideas, aquí está este video del disco debut de su antigua compañera musical: la simpar Lisa Hannigan. La canción Keep it all es una amalgama de sonidos orgánicos, balsámicos y ensamblados hasta la ensoñación. Puro bucolismo futurista en plena regresión al Planeta Prohibído.

The Alphabet of Hurricanes.

2010-07-18T06:00:00.000-07:00

Tom Mcrae es un “cantautor” británico que participa musicalmente de esas corrientes trasatlánticas de ida y vuelta que parte de las Islas para refrescar y nutrir las tierras americanas y viceversa. Una vieja historia, vamos. Su estilo y aspiraciones siempre lo han dejado un poco en tierra de nadie, muy apreciado quizás por los aficionados al folk de autor más canónico y algo lejos de heterodoxia alternativa. Su último disco, presentado bajo el críptico título The Alphabet of Hurricanes es uno de estos que puede que le vuelva a dejar en un terreno un tanto tibio pero en el que el la calidad de las canciones y sobre todo, el cuidado de los arreglos, economía de medios sabiamente dispuesta, lo hacen crecer poco a poco. Igual pasa con las letras, que tras esa sencillez, acaba reportando una inusitada intensidad en unas historias y unos retratos de notable profundidad. Por si fuera poco, todo se redondea con una voz expresiva y sentida que gustará a los que por ejemplo disfrutan de Damien Rice. La confusión y las dudas que acompañan a Still love you o Told my troubles to the river, el sobrecogimiento de la gran Summer of John Wayne, la catarsis de Please o la preciosa canción de amor sin más que es Cant´t find you son prueba de la claridad de ideas y de la contundente transmisión de este hombre.

Cinta recopilatoria.

2010-06-12T03:25:00.000-07:00

Ese mensaje magnético, soterrado, encendido, confuso a veces pero siempre fruto de una necesidad y de una entregada concentración. No estoy totalmente de acuerdo con las pautas que para su confección facilitaba John Cusack/ Nick Hornby pero sí coincido en que cuando estás en estas el fin siempre justifica los medios. Tift Merrit también. Y que dificil era que cupieran todos los títulos de las canciones.

Hollow Men.

2010-05-09T09:39:00.000-07:00

Convocando al folk-rock británico desde una escudería como Warp, identificada con la "música electrónica inteligente", GravenHurst son lo que se esperaba de ellos. Fieles a Sandy Denny y aquí, ejerciendo de ominosos transmisores de un cuento moral y oscuro.

Treme.

2010-05-09T09:22:00.000-07:00

Treme es una serie enmarcada en la ciudad de Nueva Orleans en los meses inmediatamente posteriores al huracán Katrina. Avalada por el creador de The Wire, el enorme fresco policiaco de Baltimore, recupera alguno de sus actores y se sirve de multitud de historias cruzadas para explicar el devenir de una ciudad devastada por los elementos y por la falta de diligencia gubernamental. En ese recorrido coral brilla un aprecio por el detalle, desde la comida hasta los desfiles callejeros y una querencia musical, muchos de sus personajes son músicos o bien entregados aficionados, mientras como en una de esas historias post-apocalípticas se describe como se intenta construir un simulacro de rutina o bien como se reanuda la vida tras el desastre. En el primer capítulo tiene una breve aparición Elvis Costello interpretándose asimismo y en una escena la mar de significativa.

Caminos cruzados en el Arbolé.

2010-05-02T07:39:00.000-07:00

Como vives un concierto depende mucho del ánimo con el que te enfrentes/entregues al mismo. Esta semana, ha coincidido así y he visto unos cuantos en el Muévete Weekend de la sala Oasis y en cada uno, y como sucede en los festivales, predominaba un ambiente diferente: desde la rendida calidez de Tachenko hasta la jubilosa reverencia que ofrecieron a The Posies, pasando entre medio por el clímax propiciado por los fans con Lori Meyers o el público intimidado y descreído ante el rock negro de Tokyo Sex Destruction. El primer puesto del podium se lo puedo dar tranquilamente al magisterio de The Posies porque sencillamente, el concierto de presentación de Bandada Marina en el Teatro Arbolé el pasado viernes, jugaba directamente en otra liga: la de los eventos que sin haberlo previsto, y asumiendo el riesgo de que esto suene rimbombante, terminan desprendiendo el embargo de una emoción que resulta única.

Cada uno lo viviría a su manera pero era innegable que conforme fue avanzando el concierto, las canciones que nos iba regalando Alfonso Casasnovas, ahora pues como Bandada Marina, con mención especial para su hermana Piluka Casasnovas a las voces de acompañamiento y multitud de instrumentos y por supuesto Jaime Lapeña al violín, se iban impregnando del ambiente familiar y de la camaradería que llenaba el teatro, la melodía de Thousands Are Sailing de The Pogues ensamblada a Buscando, la inesperada entrada de la armónica de Gran Bob, el griterío y las pequeñas zancadas de los niños que corrían y bailaban en la primera fila, la honesta intensidad de Silavería o el inesperado y solemne punto y aparte de los Trucos de San Antón fueron algunos de los detalles mágicos que atravesaron el concierto.

Y terminada esa primera parte, la cosa fue todavía a más con recuerdo incluido para los que seguíamos a El Bosque, anterior banda de Alfonso Casasnovas, con un Detrás de unos versos tamizado por una cadencia percusiva casi caribeña y una selección de versiones que como decía mi amigo, ponía de manifiesto todas las conexiones: If I were Carpenter, una perfecta y desnuda Promesas rotas de Más Birras y por supuesto, un expectante Juanjo Javierre en lo que fue también un homenaje a una gran canción de su banda Mestizos, además de una algarabía musical de esas que quitan las penas y hacen que broten los abrazos. Y parafraseando a Casasnovas, como todo lo bueno vuelve, aún hubo propina para otro final, el de nada más y nada menos que Fisherman´s Blues de The Waterboys, canción poderosa y memorable versión, que nos halló en la platea completamente iluminados. Light in my head.

Civil War.

2010-04-02T07:43:00.000-07:00

Cuando los broches se regalaban en las entradas de los salones de baile, existía un profundo sentimiento de camaradería entre todos nosotros. Siempre familiar. “Por favor, quítese el sombrero y déjeme su abrigo”. Vivimos aquellos años procurando por el respeto que nos debíamos. Pintábamos las fachadas y la lumbre no era un pálido simulacro de las estrellas sino un modo de obtener calor en las noches más desnudas.

This Fucking Job.

2010-04-02T03:15:00.000-07:00

Me encanta ver a David Letterman presentando la actuación valiéndose del vinilo. Y en esta ocasión Drive-By Truckers, sobre un primario leit motiv de guitarras adosadas construyen una seca y resignada declaración que resume perfectamente el título de la canción. Nadie me dijo que sería fácil.

El mes de la abundancia.

2010-03-21T09:39:00.000-07:00

Siempre quise decir que este es E.M.D.L.A., y de repente llegó una mañana de marzo. He tenido que desplazar hasta a "los inevitables", aunque permanecen a mano en el estante blanco. Steve Earle, The Frames o toda la Logia de ese “nuevo folk escocés” que conforman una escena extraordinaria (sólo en mi casa), duermen una cabezada. Al ladito, junto a esa pequeña bestia negra de ojos rojos e incandescentes que con ordenes inapelables, remotas o no, lo mismo te induce a un sopor emocional, lo mismo hace guitarrear a mis amigos, se esparcen mis últimas recurrencias sonoras. Seré breve, sin orden de prioridad e incluso sin que esto suponga una lista tasada pues también merecerían reposo Rod Jones, Floggin Molly, Quique Artiach, Lenine o hasta Norah Jones : There is no enemy/ Built To Spill, que me enganchan una melodía y me convierten a ese pop-rock-indie elástico, efervescente, con inagotables recovecos a pesar de su aparente formalidad. Universal/ La Habitación Roja, insuperables en el que es ya mis disco favorito de ellos, te permite desquitarte del reproche al tiempo que espolea tu “sentimiento de pertenencia”. A chorus of storytellers/ The Album Leaf, otro gran título para este placentero desplegable de post-rock, electrónica campestre y folk delicado; The Big To-Do/ Drive by Truckers, vamos que el título te lo dice todo, loable ejemplo de “evolución” bien entendida, más rockeros que en el anterior, para mí, recuperan la pegada de antaño y con la última canción te dejan preguntándote como han hecho eso. Y Bandada Marina, porque es un disco muy esperado y en su resultado, especial de verdad, con esa acústica cotidiana y esos cantos y esos chiflos. Los mejores viajes, cortos en distancia y perdurables en el tiempo.

Duelos de interior.

2010-03-20T08:30:00.000-07:00

En los AVES no acabo de sentirme a gusto del todo viendo una pelicula; o puede que sea que ante el rival casi imbatible del iPod sobre el paisaje de la ventanilla, hay poco que discutir. Y aunque no pillo el tren con habitualidad, recientemente en dos viajes cercanos en el tiempo emitieron El desafío: Frost contra Nixon y por dos veces, con los Dropckick Murphys o Badly Drawn Boy de banda sonora, no podía dejar de mirar como a su vez se miraban los personajes de esta pelicula. Todos sabiendo lo que tenían que hacer y el espacio que tenían que llenar, revelándose en ejemplares apretones de manos, retándose con comentarios afables de bienvenida, siempre preocupados por hacer bien su trabajo y nunca por nada que no podían controlar. Y cuando me agencié la pelicula y ya en casa, me permití verla con sonido. Ron Howard, para mí, durante mucho tiempo, ningún ejemplo de sutilidad, me ha terminado convenciendo a base gestos.

The Lea Rig.

2010-02-14T08:58:00.000-08:00

Recordar al poeta y campesino Robert Burns, gloria escocesa, es una buena manera de sucumbir al calendario. Roddy Woomble (uno de mis cantantes favoritos) mece la canción con su imperturbable serenidad mientras que el violín del gran John McCusker pone a flotar la melodía.

Let the dominoes fall.

2010-02-14T08:10:00.000-08:00

En Let the dominoes fall hay una vuelta a lo básico con estupendos resultados. Punks, rocncaroleros, sincopados y folkies, Rancid renuevan su vigencia con un disco exultante y en el que se reivindican como referentes de la escena. La distinción de esta gente es modelar unas composiciones a base de guitarra-bajo-batería, despojándose de efectos y sobreañadidos y demostrando que la veterania no es una excusa para sacar discos. Y además está Civilian Ways, otro himno (pero esencial) para seguir respirando en el camino, aunque el polvo arrecie.

Adiós Tormenta.

2010-02-14T07:36:00.000-08:00

Y parece otro más pero no lo es. Fabián, un cantautor de León, de aparente corte americano, obtiene oro, allí donde otros hallan mimetismo acartonado y superficial. Basta escuchar la cuidada reinvención de Todo lo demás del Calamaro de Alta Suciedad para apreciar la diferencia. Y es que Adiós Tormenta es un disco tan cálido y tan bien arreglado en su buscada voluntad melancólica que ya me resulta imprescindible. Una suerte de pop-folk mesetario y de provincias, alejado de los vicios urbanos más recurrentes. Hay aquí buenísimas canciones (Horas de luz, Lugares o la misma que da título al album), todas ellas aunadas por un tempo pausado y sin grandes afecciones. Evocación sonora de imágenes borrascosas, ocres o a media luz consigue además, lo más difícil: trasponer unas formas eminentemente anglosajonas a unos parajes locales y propios hasta armar un cancionero con matiz autóctono.

End Times.

2010-02-14T07:00:00.000-08:00

En esa especie de “memorias” que acaban de traducirse, el fabuloso y disfrutable Cosas que los nietos deberían saber ( cuidadísima edición a cargo de la nueva editorial Blackie Books) Mark E. Everett, el hombre que se oculta al amparo de Eels, relata y transmite su decepción y temor cada vez que, terminado el disco, es rechazado por los ejecutivos de la discográfica de turno. Y a pesar de que ya son muchas las publicaciones y hay un patrón reconocible, es patente la impresión de que cada vez le preocupan menos esas recepciones negativas. Al escuchar la estremecedora The beginning, reverso oscuro de muchos de sus temas de amor costumbrista, creo apreciar que algo ha cambiado en su manera de hacer canciones. Todavía reciente el eufórico Hombre Lobo, este End Times, aunque de acogedoras melodías, es de escucha más árida y guarda algunas revelaciones para el oyente paciente.

This land, is my land.

2010-01-17T08:36:00.000-08:00

Publicado ya en octubre, merece recuperarse el artículo Viaje, carretera y pasisaje, de Steinbeck a Kerouac. Fotógrafos americanos del siglo XX. del interesantísimo blog ¿Dónde está el depósito? y otra fabulosa bengala transversal que personalmente, agradezco que me ilumine, para reencontrarme una vez más con Vidas rebeldes de John Houston, con el Rumbo a la gloria de Woody Guthrie, con la canción Where corn don´t grow o con la misma Crisis de la cebolla. Imagenes que me traen un eco absolutamente familiar y que sobre todo, aprovechan a la memoria.

Making it back.

2010-01-03T07:15:00.000-08:00

Lo mejor de 2009.

2009-12-27T06:36:00.000-08:00

En las selecciones que mis amigos han grabado con lo mejor de 2009, afortunadamente, no siempre correspondiente con el año que termina ni con los estilos que primaban, hay de todo bueno para envalentonarse y relajarse en estos días navideños: la reconfortante ligereza de Miss Kittin & The Hacker, Manowar echando mano de una melodía que te trae lo mejor de Todd Rundgren y Brian Wilson juntos, el porno alimenticio y desbocado de Luke Vibert, el puñetazo minimalista de Carly Comando, el soul orgíastico y procesado de Basement Jaxx con Eli Paperboy Reed, los arañazos maqueteros de Dropkick Murphys en el mejor homenaje posible a W. Guthrie, la vida nueva de Rancid vigilando desde la Torre, los pasos sanadores de Fever Ray, el beat-emo-peplum de Telefon Tel Aviv, el contoneo robotico de Zombi Nation o el abrazo de Johnny Cash y Joe Strummer; este año, más que nunca entre nosotros.

Post Electric Blues.

2009-12-27T06:02:00.000-08:00

En 2009 regresó la banda escocesa Idlewild y lo hicieron con un disco que se ha convertido en mi favorito del año. Con el sugerente título de Post-Electric Blues han autogestionado una colección de canciones que destacan por su frescura y por adoptar quizás unas estructuras más abiertas de las que nos tenían acostumbrados. Hay una nueva mirada a la identidad musical más tradicional de su país pero de un modo distinto al anterior, Make another world, donde en algunos momentos insertaban melodías de reminiscencias folkies a los aparatos eléctricos que construían. Aquí, el acercamiento es más despreocupado y así, más inesperado el resultado. Resulta dificil destacar algún tema pero Younger than America, Circles in stars o Take me back in time son significativas de esto que se describe.

Ballads of the Book.

2009-08-12T06:39:00.000-07:00

Este disco celebra las diferencias entre la canción y la poesía. El pop y el rock como útiles universalmente compartidos sirven para reproducir, recrear o reinterpretar versos de diversas voces escocesas en un vivo retrato del mundo que tenemos a través de sus preguntas esenciales. La idea germinó cuando Roddy Woomble, cantante de la banda Idlewild aúno fuerzas con el poeta Edwin Morgan al objeto de musicar algunos de sus escritos. Partiendo de allí, se fue interesando a diversos artistas, escritores y músicos, hasta completar una ecléctico clan que transportado por unas letras poderosas reubica los contornos del folk y del indie hasta perder el rastro. En Ballads of the Book hay melodías casuales y extrañamente cercanas, himnos devastados de fin de siglo, orgullosa ortodoxia celta, trotes beodos y fantasmales o ensoñador bucolismo. Está James Yorkston, Aidan Moffat, Sons and Daughters, Malcolm Middleton o los citados Idlewild, entre otros. Un recopilatorio singular y enormemente disfrutable.

Civilians. Joe Henry.

2009-08-02T01:26:00.000-07:00

Productor de qualité, compositor, interprete, además de cuñado de Madonna (la anécdota obliga), Joe Henry es ante todo, un entregado operario, siempre concienzudo y preciso a la hora de organizar los medios al servicio de una causa mayor como es el disco o la canción, ya sea para otros o para sí mismo. Pendiente de su nueva entrega, apunto de aparecer, reparo ahora en Civilians, extraordinario conjunto de canciones impregnadas de ese ambiente en blanco y negro que ofrecen las fotografías antiguas que acompañan el arte del envoltorio y en el que Henry, con cierta voluntad literaria ilumina con una equilibrada e irresistible solución de jazz, folk, country y blues. Las mejores esencias de la gran música americana sabiamente dispuestas para uno de esos discos que hacen compañía y en el que, pese a la fuerte personalidad que irradia, no ensombrece la calidad de cada una de sus canciones. Y es que, aunque arropado por instrumentistas de la talla de Bill Frisell o Jay Bellerose, no hay lucimientos a costa de rodeos innecesarios o ejercicios vacíos de contenido que desvíen la atención de las palabras o de las melodías. Por otro lado, Henry es exactamente como parece, sin ser un gran cantante, se hace cercano y se hace entender, tal y como se pudo comprobar durante su reciente visita a Zaragoza, donde su afabilidad y oficio potenciaba el disfrute de unas canciones, siempre atemporales y siempre portadoras de un sano misterio.

Who knows where the innocence goes?

2009-04-10T09:19:00.000-07:00

Recientemente Counting Crows han anunciado en su página web que abandonan la “multinacional” que les ha amparado durante sus dieciocho años de carrera. De esta forma, aunque todavía no saben como, continuaran presentando y distribuyendo su música por otros medios y ya fuera de los estrictos cauces de una gran compañía. Se cita en este memorandum de ruptura a otras bandas que compartieron sello tales como Nirvana, The Posies o Sonic Youth y lo cierto es que, patente la diferente manera de comprender la música y el negocio por todas ellas, no se le puede negar a Counting Crows un compromiso con lo que les movía y querían hacer en cada momento a pesar de que, evidentemente, no siempre acertaran. Cada disco ha sido y es un planteamiento único y reconocible dentro del hilo argumental de su trabajo y en el año 1996 fabricaron mi puerta de entrada, Recovering the Satellites, el de envoltorio verdoso. Turbulencias líricas arropadas por unas guitarras especiales que eran pletóricos arañazos intentando poner orden en tanta oscuridad. La glamourosa balada Long december fue uno de sus grandes éxitos pero aquí recupero Angels of the silences (en una grabación del programa del simpar Jools Holland), la que me convirtió. La primera canción de apertura que ocupaba el track dos tras el inolvidable desperezo de Catapult. Al final, lo vieron en su Greatest Hits y entonces comprobamos porque estaba tan claro que debía ser la segunda canción del disco. Suck my blood.

Avida Dollars.

2009-04-10T03:22:00.000-07:00

Me encanta lo nuevo de The Unfinished Sympathy; aunque se advierten enseguida qué discos van a perdurar en la estantería, a no todos se les concede la gracia de pernoctar indefinidamente en el reproductor. Ajustado minutaje, estupenda secuenciación de canciones y nutritivas letras y melodías.

Socorría el argumento de que las bandas españolas debían escorarse o dejarse filtrar por las influencias autóctonas y los efluvios sureños o mediterráneos para competir en igualdad de condiciones con las bandas foráneas. Y así, se encontraban multitud de ejemplos de gente del pop y del rock que atrapa canciones memorables con un matiz melódico o con un aire que es claro que un inglés o norteamericano no podrían darle sin antes haber estudiado mucho. Sin perjuicio de ello, es cierto también que las bandas de aquí, y también las que cantan en inglés se benefician de un componente de “ajeneidad”, una distancia, cultural y geográfica, qué no sé si es lo que hace que logren esa concisión y esa concentración que se logra por ejemplo en este Avida Dollars. Canciones como Continental Drift, Girl you don´t have a heart o por ejemplo, la que titula el disco, te remueven por dentro, a la par que constituyen contundentes y decididas respuestas melódicas a la apatía de siempre.

Dark Was The Night.

2009-03-08T03:33:00.000-07:00

Red Hot Organization es una asociación que desde principios de los 90 viene trabajando con el fin de recaudar fondos, concienciar e informar sobre la gravedad y presencia del virus del sida y sus afectados. Y lo venía haciendo mediante la publicación de discos recopilatorios que reunía generalmente canciones grabadas para la ocasión bajo un movimiento musical, concepto o estética común. Es por ello que no son compilados al uso sino misiones de cierta ambición si ya se atiende a la seriedad con las que se seleccionan y contribuyen sus participantes.

De los que he podido escuchar algunos son sólo correctos como el dedicado a las canciones de George & Ira Gershwin (a pesar del deslumbre de su plantilla) y otros entretenidos y hasta indispensables como los relativos al “movimiento de rock latinoamericano” o el que albergaba lo más nuevo de las propuestas lusofonas. Ahora, la serie se recupera con Dark Was The Night, el cual, obedece a una selección estratégicamente confeccionada que reúne unas cuantas canciones inolvidables en un generoso retrato del indie norteamericano.

Con la dirección artística de los hermanos Dressner (los gemelos de The National) llaman a filas a veteranos del “alternativismo” como David Byrne, Kronos Quartet, Stuart Murdoch o Yo La Tengo, jóvenes clásicos de la Gran Canción Americana como Sufjan Stevens, Conor Oberst, My Morning Jacket o Cat Power y laureados y dignos continuadores de la tradición independiente como Beirut, Arcade Fire, Grizzly Bear o Bon Iver. Y lo dicho, aquí hay un montón de música imperecedera y como ejemplo, el dueto que se marcan Ben Gibbard (Death Cab For Cutie) con la cantante Feist o la “canción río” que regalan The Decemberists.

Teach me how to shine.

2009-03-05T01:25:00.000-08:00

Una guitarra perezosa marca la pauta en esta canción frágil antes de que asome la voz contenida de Glen Hansard. Luego, un paso lento a punto de quebrarse en cualquier momento y hasta cuando se derrama la electricidad, con sumo sigilo. Un viaje hasta la playa retenido o rememorado dentro de este artefacto atemporal donde destacan esos paisajes urbanos acogedoramente decadentes y el paseo relajado de sus protagonistas; quienes, ante la confusión y apatía reinante, pretenden trascender buscando respuestas por medio de una suplica a una estrella que se me antoja de cartulina. En Dance the devil.. (1999), The Frames y antes de liberarse completamente con su siguiente disco, entregaban clásicos de su repertorio como Star Star, que no detiene el tiempo pero que siempre logra perdurar.

Draw the courtains.

2009-02-28T10:03:00.001-08:00

Aunque cuando me hice con este disco supe que me encantaba tras la primera escucha, erré al pensar que pecaba de sonar un tanto convencional y que quizás, un acabado algo más sucio y aguardentoso podía hacerle muy bien. Pasaban los meses y en momentos de bloqueo selectivo terminaba recurriendo a este Draw the curtains, así que al final tuve que asentir al ver como la habían colado. Eran diez canciones sobresalientes, que saltando entre el mejor american rock, el folk y un agradecido soul blanco pasaban del pellizco al arañazo en menos de un estribillo. Y todo, gracia y cortesía de unas prendas musicales ajustadas y de inmejorables acabados y por supuesto, de la voz del nashvilliano Will Hoge, aliento lleno de pliegues y bálsamo para los oídos.

El fin del amor.

2008-12-27T03:44:00.000-08:00

“Es el fin del amor tal como lo conoces” y una lúcida y convencida declaración de las que contiene el nuevo disco de Los Fabulosos Cadillacs. Ya hubo un adelanto en el fallido homenaje que en forma disco se brindaba a Andrés Calamaro por parte de una heterogénea y grotesca mezcla de artistas españoles y argentinos. Allí, los Cadillacs destacaban versioneando La Parte de Adelante en un fogonazo skatalítico sin ambages y sin ambiciones “evolucionistas”. Esa grabación suponía el regreso tras el concierto despedida registrado en el Hola/Chau (2000) y tras la última muesca en estudio, La Marcha del Golazo Solitario (1999), insolente demostración de fuerza y facultades para otra obra maestra que los situaba tanto a la altura de cualquier banda latina del Nueva York de los 70 como de cualquier banda de rock alternativo del Nueva York de finales del siglo XX. Y encima, procesadas todas las aspiraciones “desconstructivistas” y progresivas con Fabulosos Calavera (1997), ilustraron su cancionero con magníficos estándares jazz que se podían barruntar pero no imaginar de esa altura.

Y ahora, el regreso de Los Fabulosos Cadillacs parece un punto y aparte de lo anterior, la evolución musical, en formas y concepto, más afinada desde The Clash pero tan prolongada en años que no tiene parangón. La Luz del Ritmo (2008) será para algunos una excusa en formato plástico para armar y dotar de contenido a una “gira llena estadios” y a una restauración de la leyenda de una de las bandas más populares de América. Lo cierto es que eso, unido a que el disco contiene revisiones de antiguos temas e incluso uno de La Marcha... y a que ahora, (y desde su desaparición) son el absoluto baluarte y referente de eso que fue y es llamado “rock latino” proporciona un cierto aire nostálgico que puede anular la verdadera vigencia de su propuesta actual.

Musicalmente La Luz del Ritmo podría malentenderse como una involución, pues a la manera del tema citado del homenaje a Calamaro, echan mano de canciones "antiguas" y exceptuando Condenaditos que es del 99, no los remozan sino que los vuelven a interpretar. Aunque claro, la visión contemplativa del ska de Calaveras y Diablitos nada tiene que ver con la versión del ska de rompe y rasga de Yo te avise! Y por eso surge algo como Basta de llamarme así, una balada adolescente sincopada cuya letra dotada de nuevos significados alcanza altas cotas de profundidad. En otros casos, como con la clásica Padre Nuestro, condimentan una de sus especialidades, la recreación y legitimación de un estilo popular ( de la calle); en este caso la cumbia villera, infecto y trasnochado género para algunos y materia de primera de orfebrería rítmica y sentimental para otros. Además, sucede otro tanto con las respetuosas y convincentes versiones ajenas, en las que con el mismo apasionado indisimulo recurren a sus primeros referentes. Y si Mandness afloraban en muchas canciones, hacen reivindicación expresa con los covers de The Clash e Ian Dury.

Contado así puede parecer un compilado en el que se reproduce su primeriza pasión por el ska y la latin music, pero las nuevas canciones son la argamasa que eleva al disco por encima de la mera reunión de viejos compañeros. Falleció Gerardo Rotblat el percusionista quizás responsable del salto cualitativo que llevo a los Cadillacs a transformarse en El León y por encima de todo, a convertirse en concienzudos estudiosos de los ritmos y estilos callejeros de su continente. Y así, La Luz del Ritmo se revela como un tratado sobre Vida y Muerte que no esconde su esfuerzo por sincerarse con su público y con el amigo ausente desde una fragilidad y agradecimiento que no requiere de ninguna máscara o coartada para expresarse. “Todo se acaba pero que dure una eternidad” es una demoledora y sencilla línea de las que recoge Nosotros Egoístas, genial título y alegato pop que retoma la luminosidad perdida que encerraba alguna de sus primeras canciones y que como otros cortes, está tocada por una inmediatez esencial que parece que, al menos en España se ha perdido y que sólo, de vez en cuando, se halla en algunos indies desprovistos de cinismo y teórica. Feliz regreso. Los Fabulosos Cadillacs han superado las pretensiones y los objetivos y celebran el camino como fin.

You know?

2008-11-16T01:17:00.000-08:00

Mi recomendación encendida del pasado año fue, sin duda, el L´Antarctica de Madee, un enorme disco con un empaquetado tan atrayente como su contenido. Como es y seguirá como uno de mis favoritos, siempre esta bien reivindicarlo. Ahora, con las imagenes con que vistieron al tema que lo abre: una especie de metaclip para la imbatible Transference #2. Si esto no es una canción perfecta con unos arreglos perfectos que baje Cole Porter y que lo diga.

Bulletproof.

2008-10-26T08:58:00.000-07:00

Wicked Twisted Road es hasta la fecha el disco más ambicioso de Reckless Kelly. Un loable paso adelante pero que veces acuciaba cierta dispersión y repetición. Por eso, para Bulletproof parece que han ido al grano o han decidido ir a la esencia del género. El último disco de los de Texas es un tratado de roots rock como sólo Steve Earle y alguno más pueden componer. Una obra de guitarras adobadas en mandolinas y violines pero con una estructura eminentemente eléctrica. American Blood, One False Move o Mirage son sólo tres ejemplos de este generoso disco. Historias de perdedores y critica social desde la periferia de los States.

The Midnight Organ Fight.

2008-10-26T08:39:00.000-07:00

Frightened Rabbit son un trío escocés (antes un dúo de hermanos de ilustre apellido musical) que han hecho uno de los discos de la temporada. Unas grandiosas canciones que se desperezan desde cierta apatía y congoja hasta explotar un grito de pura actividad vital o en una reconfortante intensidad contenida. A veces, también se recrean en su recogimiento pastoral como muchos de su hermanos poperos de la región. Con esas guitarras nerviosas y esos crescendos ambientales van a ser la “próxima gran cosa de la escena alternativa”.

I loved the way.

2008-08-30T10:16:00.000-07:00

Cinturon rojo: el arte de la lucha.

2008-08-15T06:34:00.000-07:00

Cinturón Rojo (Redbelt) es una rareza tanto para el cine de artes marciales como en la propia trayectoria del guionista, director y dramaturgo, David Mamet ( Casa de juegos, Spartan, El último golpe). Poco tiene que ver esto con las películas chinas de género o con las trasposiciones hollywoodianas con ínfulas de las primeras. Casi tiene más conexiones, al menos estéticas, con cintas de finales de los 70 como Fuerza 7 con Chuck Norris, a lo que contribuye también la música incidental de Stephen Endelman, aparentemente anacrónica pero que se revela muy apropiada al austero y modesto diseño de producción.

Mamet, más preocupado por retratar a un hombre (un luchador en el sentido más amplio de la palabra, real y lírico) en su pelea por conservar su única pertenencia, su integridad, su esencia, nos introduce en un escenario compuesto por una academia de jiu-jitsu y por el contrapunto oscuro de los campeonatos mediatizados y promovidos con afán de lucro sin importar los medios.

Si bien, la película discurre dentro de los parámetros del cine de acción, con contadas peleas, eso sí, sorprende primeramente por la manera sencilla que tiene de mostrar situaciones o escenas chocantes y hasta absurdas con apreciable naturalidad y en sintonía con el comportamiento y actitud del personaje principal, que se esfuerza por mantenerse intacto ante las adversidades personales y ante las económicas, como consecuencia de la mala marcha de su academia. No obstante los conflictos éticos y físicos se nutren también de un artificio confabulatorio entre gente del cine venida a menos y promotores amorales, que en algún momento, casi acercan la historia a otras grandes composiciones del director sobre el engaño como La Trama.

Aún así, a Mamet le interesa subrayar la reacción del protagonista ante el obstaculizado camino al que se somete, ofreciendo sin dobles juegos su esforzado idealismo y su absoluta querencia bondadosa. Ello, que a priori pudiera parecer lo menos atractivo, le permite articular interesantes subtramas como el encuentro entre el protagonista y el actor encarnado por Tim Allen o la relación que entabla el primero con la abogada interpretada por Emily Mortimer, quién ante la pasividad del luchador frente al indigno y reprochable cuadro mostrado por el torneo de lucha y sus mezquinos organizadores, lo despabila en una secuencia memorable y fantásticamente resuelta.

Cordelia´s Dad: What it is.

2008-08-15T06:22:00.000-07:00

Cordelia’ Dad, afanoso trío musical de Northhampton (Massachuttets) y tan aficionado a las guitarras lacerantes como a visitar bibliotecas públicas a la busca de viajes tonadas y baladas del siglo XVIII o XIX, rompió su errática pero sincera carrera discográfica con What it is. Tras su arrebato grunge de primeros de los 90, cuando sumaron distorsión eléctrica a semienterradas y crudas historias de colonos y tras su recreación acústica a mediados de la misma década, compilaron en 2001 una serie de grabaciones de 1997 y 1999, que respondían a la semilla que unos años antes, ya habían soterrado al final de la versión europea de su anterior Comet (esa tríada enchufada integrada por Jersey City, Three Snake Leaves y Hush).

Casi todas las canciones estaban firmadas por su cabecilla, Tim Eriksen, quién al final de la vida de la banda, había terminado componiendo como hace tres siglos. De nuevo con la ayuda de Steve Albini y el armazón apretado de guitarra, bajo y batería, daban en What it is una generosa ración de sentimientos desplazados de época que encontraban su referente actual en medio de prolongadas vigilias de cuerdas metálicas y enconados arrebatos rock. Aunque curiosamente, cuando se pusieron a hacer sus propias canciones sin recurrir al acervo tradicional se volvieron más herméticos, no falta en su ultima muesca alguna que otra incursión algo más melódica, como la preciosa Camille ‘ s not afraid of the barn, primer tema de este cierre a recuperar.

15 momentos señeros en la Historia del Rock Celta (1975-2005).

2008-08-15T06:13:00.000-07:00

Alan Stivell. E Dulenn-In Dublín (1975). Imbuido de pleno en la estética hippiosa y setentera del folk-rock a la toma pacífica del Estadio Nacional de Dublín, ratificando conexiones culturales entre las naciones celtas y vibrando con orgullo pero sin caspa. Canción: Ha Kompren't 'Vin Erfin?

Runrig. Publicando The Highland Connection (1979) un segundo disco que inicia una leyenda y más de 30 años de Historia Musical en negrita. Rock paisajístico de combate y rescate noble de una lengua que perecía. Canción: Gamna Gealla.

The Pogues. El punk no nace ni se hace sino que se arrastra como puede. La lírica genial de Shane McGowan, el último hombre al que le prestarías tu casa, insuflaba carisma a una banda que ya había visto que la vigencia del rock celta pasaba más por la actualización de la actitud que por la renovación instrumental. Rum, Sodomy & the Lash (1985), brillaba en las grandes ligas del pop haciendo equilibrismos como un beodo. Canción: Dirty Old Town.

The Waterboys. La piedra filosofal y la carta de crédito del género (la única) ante la comunidad indie. Fisherman´s blues (1988) es una obra fuente que aúna en unas sesiones míticas a una brigada de músicos excepcionales bajo el mando iluminado y consciente de un Mike Scott, todavía no reconocido como se merece. Canción: Fisherman´s blues.

Immaculate Fools. La última intentona de arañar las listas de éxito era una pedrada. En The toy shop (1992) estaban cabreados y con un punto amargo, daban los últimos vistazos al camino que se perdía. Pese a todo, las guitarras crujían como nunca en sus airados alegatos contra la ignominia y la estupidez. Canción: Bed of tears.

The Drovers. La banda sonora de la película Blink (1994) contenía tres canciones que eran la máxima expresión de un género efímero. Una fotografía de cuando el rock se legitimó bebiendo de la angustia existencial y juego de similitudes e identidades entre la música celta y el indie. Canción: The boys and the babies/Is Graig here?

Oysterband. Rehacen su cancionero con Trawler (1994). Un disco que reconstruye y actualiza el folk-rock británico, lo urbaniza y lo endurece en pleno fervor antisistema desde las trincheras y desde la oscuridad. Canción: Granite Years.

Ashley MacIsaac. El síndrome de Peter Pan y Leonardo DaVinci en dosis masivas y sin control facultativo. Hi how are you today? (1995) era una pregunta retórica que respondió un álbum después y el disco, una demostración de fuerza con vocación de referente y resultado inapelable. Renovación, entre caprichos guitarreros y electrónicos. Canción: Wing-Stock.

Brigid Boden. Antes de que Madonna se reinventara seriamente, esta mujer publica Brigid Boden (1996) y desaparece con un tratado de música pop que hermana dance y música celta con una naturalidad inédita. Principio y fin de un estilo nuevo en una obra imperecedera. Canción: Spirits never part.

Wolfstone. Con The Half Tail (1996), la banda hacedora de las mejores canciones de rock celta instrumental de todos los tiempos, depura y afila su estilo en una obra de ingeniería sónica de referencia. La precisión rítmica y la contundencia en un mismo habitáculo. Canción: Gillies.

Levellers. Mouth to mouth (1998) era un acercamiento afortunado a la vera del british pop más exitoso sin abandonar el perfil callejero e inquieto de la banda. El rock celta se estiliza con un productor de postín y mucha ambición. Allí donde se tocaban The Clash, The Beatles, Oysterband y Radiohead estaban ellos. Canción: Beautiful day.

The Whisky Priests. Los auténticos hijos del pueblo, de su pueblo. Here comes the ranting lads! (1999) es un testamento en directo construido a base de una honestidad apabullante. Cuando se es tan, tan local, es imposible llegar a ser universal pero el caso es morir en el intento. Canción: A better man than you.

Runrig. Renacimiento. In Search of Angels (1999) es para Runrig lo que para John Travolta fue Pulp Fiction. Tarantino se llama Bruce Guthro y no se mira en ningún espejo cuando canta. Nunca una voz luminosa y feliz había transmitido tanto en tres segundos. Canción: Maymorning.

Carlos Núñez. En Os amores libres (2000), el gaitero hace saltar todas las bancas. Experto buscador de conexiones, virtuoso y aglutinador de personalidades contrapuestas deja constancia de lo que la música celta fue y será. Y más aún de lo que pudo ser, que se hace presente en este disco con la ayuda de gente como Mike Scott o Liam Ó Maonlaí. Canción: Raggle Taggle Gipsy.

Dropkick Murphys. En The Warrior´s Code (2005), se hacen adultos y se adulteran para bien con la furia controlada pero más visceral que nunca. Las palabras de Woody Guthrie son una plegaria desgañitada cuyo eco permanece en todas las esquinas de Boston. Canción: I´m shipping up to Boston.

Bellwether: fields in the bedroom.

2008-08-15T06:04:00.000-07:00

Bellwether, formados, aparecidos y radicados en la ciudad de Minneapolis (hay alguna que otra banda que participa de ese nombre) son, a pesar de la red mallada del myspace un ente que puede desaparecer o volatilizarse en cualquier momento y cuyo rastro virtual se limita a pequeñas muescas dejadas en estudios de grabación de provincias y a un último y genial disco publicado en el sello holandés Rosa Records. Son como el increíble hombre menguante del country alternativo. Eric Luoma y Jimmy Peterson, con el añadido de Mick Wirtz desde el tercer disco y un ocasional Phil Tippin han movido esta banda que ha terminado por recluirse sin remisión en su laboratorio musical.

Su primer disco, titulado Turnstiles data de 1998. Si bien ofrecía buenos cortes (King of the meantime, One more time), no dejaba de ser un acercamiento rendido a los trabajos de Uncle Tupelo o Jayhawks. En 2000 publican un segundo disco titulado como el nombre de la banda que, abriéndose con la irresistible 8th street, ya permite presumir cierto interés en minar las formas que les condicionaba hacia la copia estéril para centrarse en intentar nuevas vías por las que desgranar su propuesta. Sin embargo, los esfuerzos y planteamientos de Bellwether no cristalizan hasta Homelate (2002) donde ralentizan los ritmos y comienzan a imprimir a sus canciones esa patina casera y perezosa que las hace absolutamente reconocibles. Igualmente, este disco contiene temas más que notables, caso de Dim light, Croked Heart o Shallowing, que es ya una advertencia de lo que vendrá después y una liquidación de la deuda que mantenían con la precitadas bandas.

El siguiente, Seven and six (2004) destapa un planteamiento personalísimo o la manera de encontrar pepitas de luz en la desolación de una habitación cerrada y sin vistas. Half life, This time, I tought that you were dead son sólo tres títulos de los que contiene este disco excepcional, reposado y de autentica atracción cinemática que trasciende los géneros para dar un nuevo toque a la recreación de la música de raíz americana desde la sencillez de un pequeño estudio de grabación. Para el siguiente y ultimo The stinging nettles (2006), la banda parece que entreabre las ventanas. De la contemplación tranquila del papel de pared pasan a vislumbrar el exterior, alguna flor asoma. Las canciones, refrescadas tras una lluvia prolongada, parecen asomar tras un profundo letargo. There where days abre un disco magnético y acogedor, que retoma la electricidad de trabajos anteriores pero integrándola en particulares arreglos de guitarra y teclados que aportan a las canciones ese aire ensoñador y relajado. Come out walking cierra la obra con un soplo acústico, reconfortante y consciente que te da la justa medida de cual es el estado e intenciones de esta banda de vocación inequivocamente melancólica pero animosa a pesar de todo.

El funk de los blancos.

2008-08-15T05:55:00.000-07:00

La Liga de los Celtic-Rockers prevalece. Se levantan de sus tumbas estrechas de trip-hop, world music, punk redneck y piano pop para reclamar lo que fue suyo en un pasado inmediato y deshonrado. Último aviso para los eternos perdedores de trenes: Van Morrison nunca estuvo allí.

Avería y redención # 7.

2008-08-15T02:23:00.000-07:00

El último disco de Quique González, ahora con el añadido al nombre de su banda de gira ("La aristocracia del barrio") parece que anuncia aires reiterativos desde el título. Aunque no lo hemos leído antes, casi nos recuerda a ese rollo polvoriento de carretera y manta. Eso es quedarse en la nata. Una mirada algo más atenta amenaza con lo de “obra de madurez”. Tampoco. Además es un poco largo (17 temas). Eso sí. Con todo, se desenvuelve más seguro con ese sonido americana. Ello, le permite hacer cosas como Hay partida, Nos invaden los rusos o Trucos fáciles para días duros, sin que se note nada encorsetado. Los demás calificativos creo que le hacen más bien que mal, porque por otro lado, no hay consciente busqueda de madurez ni reiteración, sino asunción natural de su mezcolanza de referencias y de sus señas de identidad. Por ejemplo, Towns Van Zandt como totem espiritual y Wilco para las aspiraciones formales. A los que se echan las manos a la cabeza, se les pediría que reparasen un poco. Con sus aciertos y errores, creo que este el disco en el que se le escucha más libre.

El día de la madurez.

2008-08-15T02:13:00.000-07:00

En 2005, Ben Lee nos dio una sorpresa tan grata como entrañable con aquel Awake is the new sleep. Un disco de sonido sencillo y recogido pero también evocador, animado y abierto. Un puñado de canciones confesionales, con sombras y salidas al sol que contaba además con algunos hits inapelables. Ahora, este australiano con pinta de despistado, regresa con Ripe, en plan eufórico y con el sonido robustecido a base de un acompañamiento más “rockero”. El comienzo es arrollador con ese Love me like world is ending y American televisión, canciones representativas de su estado vital pero que, de alguna forma, hasta le exponen a malentendidos. Y es que no es un “songwriter” dispuesto a todo para obtener el éxito comercial ni gasta una pose torturada. Tiene muchos “principios sentimentales”.

Hay que decir que el disco no mantiene el mismo nivel durante todas las canciones, ni de entrada genera esa sensación de estar ante una obra pop singular, que si que ofrecía el anterior. De hecho, se queda muy lejos del citado Awake... A pesar de ello, su escucha es adictiva y tras varios repasos, la valoración es la de estar ante una grabación con algunos buenísimos temas y con más caras de las aparentadas, con apreciaciones divertidas e irónicas, declaraciones apasionadas y algún retazo sombrío para que recordemos que no siempre, tras mucho esfuerzo, se consiguen las cosas que se quieren. Eso si, en tal supuesto, B.L. aboga por hacer acopio de paciencia e intentarlo de nuevo.

Hold on hope.

2008-08-15T02:00:00.000-07:00

Scrubs. La mejor serie de hospitales y médicos se llama así, Scrubs y es también la mejor telecomedia sin risas enlatadas desde Sigue soñando (Dream on), aquella en la que un editor que ha pasado su niñez casi hipnotizado por la tele, relaciona todos los momentos personales de su vida con secuencias e imágenes de viejos seriales que intercala en sus vicisitudes diarias.

Scrubs (emitida por Canal + y con la primera temporada editada en DVD), en formato de 25 minutos, sigue la pista a J.D., un interno de un hospital, aficionado a la voz en off y al grupo de personas con las que comparte trabajo y aventuras personales: su mejor amigo que es un cirujano egolatra, la novia de éste que es una enfermera mandona, su eterna compañera que es una interna insegura y uno de los jefes, que es una especie “mentor a la fuerza”. Visto el tono y resultado, nos viene a ratificar también que no siempre el hiperrealismo es la mejor manera para hallar la veracidad en una obra de ficción y que el humor, en cambio (recordemos M.A.S.H.), si que es la mejor manera para conectar al público con la tragedia evidente que, por otro lado, no requiere ser subrayada.

Plagada de humor absurdo y de escenas surrealistas interaccionando con las presuntas “secuencias reales”, la gracia está en el conjunto formado por los personajes principales, esos secundarios memorables como el conserje psicótico y el abogado depresivo, la variedad que proporcionan las historias de los pacientes y unos guiones más que ocurrentes, divertidísimos y que funcionan mejor que cualquier libro de autoayuda, pues la serie no disimula su intención moralizante y aunque exhibe cierta amargura en algunos momentos, el mensaje es eminentemente positivo, como el de esas canciones que acompañan muchas de las secuencias finales en las que el protagonista, haciendo balance de lo “aprendido” por él y por cada uno de sus compañeros, se da cuenta de que si bien, quizás ha captado la moraleja, quizás también ha perdido algo para siempre.

Echo: Salir al sol

2008-08-15T01:50:00.000-07:00

Esta gran obra de 1999, resulta acogedora y abrumadora con esas canciones acolchadas que se desbordan y crecen allá donde las dejan escapar. Porque Echo es como una gran fanfarria de rock americano y como una procesión de animales heridos en pleno rito de cicatrización. Rick Rubin, los apelativos mayestáticos se los tiene bien merecidos aunque sólo sea por este, ayuda a Tom Petty & the Heartbreakers a estilizar esta sucesión de pasos, obteniendo un sonido clásico y poderoso que confiere a este artefacto ese halo de disco esencial y estructural en la carrera de sus autores. Ante el letargo que pueden producir cosas como el posterior The Last Dj o para quienes se quedaron en el Petty de los 80, conviene recuperar o descubrir este Echo y abrazar su liturgia pagana seguros de sus propiedades sanadoras.

Cambiar de vida.

2008-07-06T03:00:00.000-07:00

Las extraordinarias dotes narrativas de Rubén Blades volvían a fascinar y conmover a partes iguales con Sicarios. En uno de sus discos más “para adentro” y en el que daba con una suerte de sonido “panamericano” hilvanado con cuerdas y percusiones, aún quedaba hueco para informar y para denunciar. Quizás su mejor relato musical desde Desapariciones.

Convivir con el SiNo.

2008-07-05T00:46:00.000-07:00

El nuevo disco de Café Tacvba es una obra emocionante por su sinceridad y carencia de ironía. Por su falta de complejos y por su ambición justa. Siendo que ya hace siete u ocho años, ofrecieron el “sonido del futuro” en una hábil depuración de su lenguaje sonoro y asunción sutil de los ritmos locales, hoy discurren libres, unas veces reiterándose en algún discurso y aplicándose a las tendencias más actuales, y otras, sorteando límites sin forzarlos. Se reparten las voces más que en anteriores entregas, consolidando nuevamente la idea de cómo la singularidad de cada uno de sus cuatro integrantes puede insertarse en un todo único, reivindicativo de la entidad como “banda de amigos”.

Temáticamente hay en Sino una mirada sin disimulo a sus comienzos, asumiéndolos en aciertos y errores, con mucho cariño y sin pedir disculpas si se antojan algo nostálgicos. Y reinciden en ese “humanismo de la imperfección”, la búsqueda del fin sanador o cuando la perdida de lastre no deshace necesariamente el nudo del alma. Cuando cierran el disco dando gracias a la democracia y al estado de derecho, no puede uno más que erizarse con ellos y agradecerles nuevamente un viaje tan honesto y entretenido.

"Summer in Siam" en la cocina.

2008-07-05T00:36:00.000-07:00

Publicada aquí Vida de Motel, la sentida y paralizante novela de Willy Vlautin, cantante y compositor de la banda Richmond Fontaine, casi es inevitable recuperar el reflejo sonoro que poco antes conformó The Fitzgerald. Un álbum que era casi un libro de pequeños relatos acústicos, de ribetes duros y gastados como las vidas de los personajes que nos presentaba, y que al igual la obra literaria, incluía también unas bonitas y alusivas ilustraciones de Nate Beatty. Sombras de personas, y personas a punto de convertirse en una mancha oscura a través de un viaje con pocas oportunidades y menos posibilidades de salir adelante.

El Sr. Vlautin es de los que piensan que no hay juicio moral que valga ante una buena historia, sólo la ternura de los que sólo se tienen los unos a los otros. Para ratificarlo, basta recurrir a la quietud subyugante de Making it back, declaración a media luz entre pocas palabras y un abrazo como único cobijo.

Once: otro musical.

2008-05-04T03:07:00.000-07:00

Resulta vano cualquier intento de valorar objetivamente Once ya que The Frames es desde hace años una de mis bandas de cabecera y en principio, esta película, así como su banda sonora o el proyecto The Swell Season, son derivados y afluentes de este grupo .irlandés. El director, John Carney fue bajo de The Frames en su primera época y el protagonista, es su líder natural y autor de las canciones.

La historia, de vocación sencilla, cuenta como un músico callejero (Glen Hansard), que toca de día temas conocidos para obtener el favor de los transeúntes y de noche se vuelca con sus canciones, conoce a una chica (Marketa Irglova); una inmigrante que vende flores en la calle para ganarse la vida y mantener a su madre e hija. Así las cosas, inician una peculiar y a la par sencilla relación, que les lleva a replantearse su momento vital y hasta colaborar en la grabación de un disco.

Todo transcurre de una forma muy simple, con pocos personajes, muchas canciones, sin pretensiones trascendentales en los diálogos y sin alardes trágicos. No obstante, los protagonistas de la historia no son actores profesionales y un poco, o mucho, hacen de si mismos, dejándose llevar por el relato e improvisando de forma natural. En este sentido, la edición en dvd contiene diversos extras que son casi un complemento necesario, como la presentación de la película en Madrid: después de la rueda de prensa, salen a la calle e interpretan a palo y a “voz en grito” cuatro versiones (Dylan, Van Morrison, Pixies y Daniel Johnston) en una disfrutable demostración de clase musical y escénica.

Once, ha recibido unos cuantos premios, hasta un Oscar a la mejor canción pero el relumbrón de los galardones no ha cambiado la percepción de la película como historia auténtica y viva. Viva porque nos hace cómplices de una ternura nada impostada y porque nos demuestra que el cine, es también un medio para seducir con historias personales sin auxiliarse de odiseas sentimentales, experimentos modernos o dogmas.

Recordando a Aidan Bartley.

2008-05-04T01:56:00.000-07:00

Hace diez años que en la discográfica zaragozana Grabaciones en el Mar se publicó Between the Gutter and the Stars, obra del irlandés Aidan Bartley y disco excepcional e inesperado que hermanaba con naturalidad el folk anglosajón y el pop en unas canciones de temática amorosa en su mayoría que no disimulaban su querencia romántica en el sentido más decimonónico de la palabra.

Todo ello, había sido grabado en un estudio de la Barcelona de 1992, casi de tapadillo y en una época en la que el talante errante del músico había sido llevado a sus últimas consecuencias en una huída sentimental a la deriva. El caso es que después de pasar por dicha ciudad, Bartley recaló en Zaragoza y se instaló allí por algunos años. Pedro Vizcaíno, jefe, espíritu y "todo" de Grabaciones en el Mar, lo escuchó y lo publicó, permitiendo así que estas canciones compuestas en un especial “estado de gracia”, no se perdieran para siempre o al menos, no se perdieran por unos cuantos años más.

Between the... a base de una instrumentación cuasi acústica, de guitarra, bajo, violín, acordeón y percusión, obtiene en la grabación un ambiente entrañable, ofreciendo diez canciones, oscuras a veces, inquietantes otras y con una pretendida alegría nostálgica en alguna. Exceptuando Foreign legion y Dry stone walling, todos los demás temas hurgan en la herida amorosa, rememorando triste o despechado los momentos vividos (Fade away, Did your prince ever come? o Blue) hasta llegar a ese torrente final asumiendo lo pasado ( Waltz of regret ).

El tiempo transcurrido nos revela que parece que no se publicó en el momento más apropiado o por lo menos, ahora, con un “renacimiento folk” tan presente, es presumible que hubiera despertado más interés. Con todo y con amparo nuevamente de Grabaciones..., Aidan Bartley publicó Soulstream (1999), distinto a Between the... pero igualmente brillante, mostraba su interés por Philip Glass y los minimalistas contemporáneos, “europeizando” a Leonard Cohen y homenajeando a Kurt Weill en unas canciones estremecedoras de huesos, cuerdas y piano.

Sueños de acuarela.

2008-05-03T10:28:00.000-07:00

Carey Ott es un antiguo empleado de banca de Chicago y Lucid Dream su único disco hasta el momento. Y uno de los mejores que salieron en el año 2006. Una vez más, no hay ninguna novedad y al tiempo, una impronta magnética. Con una voz más del british pop que del american rock, sonando lánguida a veces y firme otras, desgrana doce canciones que son imágenes y que se antojan siempre compuestas con colores primarios como los que componen la portada del disco. Los teclados, en dialogo continuo con las guitarras sin estorbarse, visten este pop-rock con algún filo soul o folk y con letras rendidas, delirantes e instantáneas. Daylight o Sunbathing son dos temas destacables de este disco que hace ya bastante tiempo que forman parte de los enseres que prefiero no dejar muy lejos.

Bill of Rights, cajas de cartón y bailes chulos.

2008-05-01T08:55:00.000-07:00

My Latest Novel: Wolves.

2008-03-23T04:49:00.000-07:00

La virtud de Wolves, el primer disco de My Latest Novel, radica en que funciona tanto como la presunta banda sonora de una pieza teatral inexistente como un disco de canciones pop con intercalados instrumentales. Los de Glasgow (una vez más, las cosas pasan en esta ciudad) rematan diez canciones totalmente medidas, a pesar de la grandilocuencia que imprime su acabado instrumental e intención lírica.

Supongo que la banda ya se ha cansado de las comparaciones con Arcade Fire, más por la reinterpretación de las hechuras clásicas desde las maneras indies que otra cosa, porque los escoceses, al menos en este disco, ponen mas interés en funcionar en las distancias cortas que en mellar en el fondo abrumando con el aparato instrumental.

Hay también en Wolves algunos arreglos corales verdaderamente ingeniosos y una sana permeabilidad a no tanto los estilos autóctonos, como a los ambientes verdes propios de su tierra. Ya se sabe, es más una conexión cotidiana o una percepción espiritual, que muchas veces da mas réditos que un conocimiento exhaustivo de las “raíces”. Por otro lado, tiene este disco su propio “single”, Sister sneaker sister soul, una feliz canción regional tan buena como las de Belle & Sebastian.

El número final de No depression.

2008-03-23T04:24:00.000-07:00

Después de trece años, No depression, la revista bimensual dedicada al “pasado, presente y futuro de la música americana” se despide del formato papel. El aval de los suscriptores no ha sido suficiente garantía y ya ha anunciado su cierre. La publicación ( que tomaba su nombre de una primigenia canción folk en versión Uncle Tupelo ), ha venido cubriendo todos aquellos hitos que desde la mezcolanza del country y el rock se han venido sucediendo en estos años. También el folk, el blues, el soul, ... la música americana, al fin y al cabo.

En su última época, dispuso de una pequeña distribución en España vía correo y lo cierto es que era fantástico ojear una y otra vez sus paginas entre el recordatorio de algún viejo clásico o el anuncio de alguna nueva banda. La foto de la izquierda, se corresponde con la portada de su segundo número, dedicada a Blue Mountain, terceto que era otra prueba más de ese clasicismo insurgente, que sin perder la voluntad docente, tan apasionadamente ha defendido la revista.

No lucifer!

2008-03-20T09:46:00.000-07:00

La armada inglesa a discreción en la reconquista moral del Nuevo Mundo. British Sea Power lo prometen todo con su tercer disco: guitarras izadas sin escatimar fondo y melodía y una luz al final del tunel.

Jesse Malin: revisado y ampliado.

2008-03-16T10:20:00.000-07:00

Glitter in the gutter es un tercer disco que por la inmediatez y espontaneidad que desprende podía pasar por un primero. Jesse Malin, casi como un Willie Nile con la instrucción hecha en los 90 en lugar de los 80 saca pecho sabiéndose que viene con un puñado de canciones buenas y de pegada. Rock urbano, orgullosamente neoyorquino (desde la portada) de guitarras inflamadas y melodías que se enganchan (que no fáciles). Tiene colaboraciones de relumbrón como la de Ryan Adams o como la de Bruce Springsteen en la emotiva balada Broken radio pero el cd anda solo: In the modern world , Prisioners of paradise, Tomorrow tonight o la revisión a piano de Bastards of young de The Replacements ... Falta de complejos, cultura rock y nervio escénico.

Jabe Beyer goes to Nashville.

2008-03-16T10:06:00.000-07:00

Jabe Beyer goes to Nashville y van... Los escritores de canciones abandona sus cunas familiares y sentimentales y se marchan a la city de la música americana. Ya no tanto como antes. Ya no es como en aquella película de Robert Altman de igual nombre a la ciudad en la que Elliot Gould era una gran estrella de Hollywood y en la que el director, con la mirada feroz (muy lejos está su visión de la música de raíz en The Last Show) ponía un intencionado espejo frente a la industria musical vaquera que por aquel entonces transitaba derroteros verdaderamente bochornosos. Las multinacionales, y también las compañías pequeñas, aún andan ahí con sus divisiones especializadas en sombreros y pedal steel, buscando talentosos compositores cuya sangre poder transfusionar a estrellas apagadas y a modelos jóvenes de voces agradables e intercambiables. Jabe Beyer que viene de Boston, ha sido una pieza importante del engranaje folk-rock de dicha ciudad. Un día se despertó y se dio cuenta de que hacía americana, así que, qué diablos!

En el 2.000 publica Twenty Point Turn, un disco de cantautor vitaminado que arreaba la guitarra acústica como latigazos y que con esa pulsación funk anunciaba varios frentes por donde seguir en trabajos posteriores. En el siguiente, Outback Country Vampire, se reconvierte en una banda celta de centroeuropa en alegre sintonía bluegrass y revestimiento gótico. Ya en el 2004, y con el concepto de grupo afianzado, se publica Drama City, que conoció una pequeña difusión en España, y en el que compacta el sonido folk-rock, incidiendo en ese punk-hilbilly descarriado que apuntaba en la obra anterior ( Honest as pure gold, Crazy Anne Marie) pero sin renunciar a los ambientes brumosos y a los temas más reposados ( Cold Cold Wind, Don´t even blink).

Finalmente y antes de la marcha, llega Where are we going & when do we get there que sugiere de principio un sonido más convencional, más asentado en los patrones del country alternativo pero que se revela poco a poco con sólidas canciones como You can´t see the stars from the inside of a bar o Paradise. Los arreglos, en realidad, no tan obvios y más delicados, arropan unas canciones con un halo lírico de despedida y que permanecen tras varias escuchas como la magnética y bonita imagen que compone la propia portada del disco: un banco vacío e inmaculado, ornamentado con motivos vegetales que no se sabe si espera paciente bajo la ventana a que alguien llegue, o bien asume tranquilo que ya pasó la estación en la cuál pudo ocurrir algo.

www.myspace.com/jabemusic

The Hold Steady: puentes elevados y patatas fritas.

2008-03-16T09:44:00.000-07:00

Comulgo con la teoría salvavidas de que el rock es actitud y de que se hace valer más por su fondo que por su forma. Pero se ha hecho un mal uso de esa tesis porque los rockeros se mantienen dentro del circuito y del rollo rock aún cuando dejan de hacer rock.

Luego están esa chorradas con ínfulas: que si ahora grabo con la sinfónica de Bratislava, que si me pongo un sombrero vaquero, que si mi historia es el jazz, que si adapto en versos libres el pensamiento “infrarealista”. Y claro, empiezas a mirar y el rock ya no está por ningún lado. Moraleja: si haces rock no te pongas a decir que haces rock adulto y evitaras suspicacias. En el otro extremo están The Hold Steady, que son una banda de Brooklyn que hasta podría decir que hacen “rock literario” sin sonrojarse. Tienen tres discos hasta la fecha, el debut Almost Killed Me, el conceptual Separation Sunday y el avasallador Boys and Girls in America.

Imaginaros a un tipo de edad indeterminada con pinta de humorista salido del Saturday Night Live de los 80 (es decir, su aspecto tiene más que ver con John Belushi o Steve Martin que con Lou Reed o John Cale). Casi como poseído por un megáfono años 70, vocifera y dispara palabras atropelladas y te abruma con referencias locales y culturales. Detrás de esa voz muchas guitarras, muchos riffs y algunos pianos. Y si, si, Springsteen también pero ellos son The Hold Steady. No te quepa duda de que hacen rock.

Ash Wednesday.

2008-03-09T05:06:00.000-07:00

Hay resignado consenso popular cuando las canciones y la voz se reconocen. Saltan las escamas hasta de los buceadores más duros. Si bien los cortes rezuman clasicismo, lo supera surcando hacia la obra atemporal, bebiendo de las fuentes pero abriendo una senda propia sin importar si se hizo en el siglo XX o en el XXI. Ahora es cuando hablamos de eso de que si se tiene o no se tiene porque Elvis Perkins (el autor) no es más que un primerizo escritor de canciones y sin embargo, su huella parece la de alguien mucho más pesado. El resto es ya condimento y alineo, el personaje y sus trágicos antecedentes familiares, el estupendo diseño del envoltorio, el sello que lo acoge . Ash Wednesday es un reflejo sobrecogedor de la (su) vida y aunque intentes pasar, reclama poderosamente tu atención.

Independientes en la sopa.

2008-03-09T04:55:00.000-07:00

Sexo, mentiras y Hollywood, de Peter Biskind, es una crónica absorbente e ilustrativa de cómo se suceden y transcurren los tratos que permiten que la distribución de una película acabe prosperando. También es la historia del “cine independiente” en los Estados Unidos desde finales de los 90 a través del devenir paralelo del Festival de Sundance y de la compañía Miramax. El autor cuenta concienzudamente y arroja reflexiones lúcidas e informadas a partir de confesiones y declaraciones de segunda y primera mano. Se mete en los despachos, se esconde detrás de la cortina, husmea debajo de las camas de las suites de los festivales, te hace testigo y participe de los hechos y sobra decir que colma de anécdotas divertidas y llenas de jugo.

Se me vienen a corroborar tres cosas. Uno: que el Festival de Sundance ya se había aburguesado nada mas nacer y que no sabia como enfocar sus esfuerzos hacia la promoción del cine indie porque no sabia que era el cine indie de finales de los 80. Dos: que al igual que en la música, el cine indie pocas veces trasciende lo que es una etiqueta pues recurre a los mismos recursos que el cine de los grandes estudios para venderse y su funcionamiento, termina recurriendo necesariamente a los cauces mas convencionales. Y tres: que en esto del cine, los directores son resignados sufridores ante la tremenda dificultad que supone dar a conocer una película al mediano publico. Lo raro es que los hacedores de cine aparenten tanta tranquilidad en las promociones y no dejen entrever las ulceras estomacales y espirituales que les deben provocar los cortes insanos de celuloide, los pagos aplazados y las auditorias. En un pasaje, Tarantino, refiriéndose a Reservoir dogs dice algo así como “hice la película para mi y luego, invito a todo el mundo que quiera verla”. Es una buena máxima para el cine indie: la difusión controlada que no dañe la obra.

Recuerdo esos finales de los 80 y primeros 90 cuando en las revistas de cine comenzaba a acaparar papel esas películas con gente menos o nada conocida en escenarios realistas y con argumentos de vocación profunda y cercana. Steven Soderbergh que había dirigido Sexo, mentiras y cintas de video, titulo genial para una película que se aclamaba como un nuevo y refrescante referente para lo que iba a venir, acaparaba la atención de la critica y del público ávido de otras posturas cinematográficas. Mi atención la acaparaba James Spader y su peinado imposible. Desde entonces, Spader comenzó a atesorar peinados imposibles que hacían mas daño a su carrera de lo que su agente debía pensar y yo me convertí en fan confeso y entusiasta de este hombre. Por allí andaban entonces John Sayles, Allison Anders, Spike Lee, Tom DiCillo, Todd Haines o Alexandre Rockwell. A mi me tenia completamente cogido Hal Hartley. En España gozaba de buenas criticas (hasta le dedicaron una noche especial en Canal +) y me resultaban muy atractivos esos escenarios de sus películas, tan americanos y tan baratos. Sus actores eran completos desconocidos y sus historias se antojaban de lo más “modernas”. Ah, lo mejor de todo eran los títulos, Amateur, Simple men o Trust me parecían palabras geniales para denominar películas.

Y así, hasta que vino al indie el cine de género. Primero con John Dahl. La muerte golpea dos veces, Red rock west y sobre todo, La ultima seducción. Eran películas que prometían tanta forma, tantos clichés del genero negro recreados que cuando uno se topaba con la sustancia, era como encontrar oro. La ultima seducción ya caía, creo, por el 94. Allí ya se produjo el advenimiento pleno e inseminador de Quentin Tarantino y las tornas de la industria terminaron por cambiar definitivamente. Un poco antes, el escaso éxito de público y el ninguneo de El ultimo gran héroe supuso una pequeña rebelión germinada en un gran estudio y aplastada en el mismo sitio con un “no te pases de listo”. Quedaban aún muchos años de feliz divorcio entre los contenidos del cine indie y los contenidos del cine comercial, al menos, en lo que al envoltorio se refería. Tarantino, por lo menos, no sólo derramó influencia sino que impuso su peso específico sin preocuparse si hacia un cine desafiante con las producciones tradicionales y coherente con las propuestas de entidad netamente artística.

August and Everything After: Gran Novela Americana.

2008-03-09T04:46:00.000-07:00

Se lleva lo de las Deluxe Edition. Generalmente, reediciones empaquetadas con detalle, “remasterizadas” y con el añadido de maquetas, descartes o temas en directo. En éstas, le toca el turno al August and everything after (1993), la magna y reverenciada opera prima de Counting Crows. Se acompaña un concierto grabado en el mes de diciembre de 1994 en Paris. El efervescente disco en directo recoge su debut casi al completo y recupera algún tema previo y algún otro que estaba por venir. Además, al disco original, se suman cinco bonus tracks, el más reseñable de los cuales, es la versión acústica del “himno folk” This land is your land.

Sólo dos discos les bastó a Counting Crows para convertirse en un caleidoscopio recurrente del rock americano. Con August and every day after deslumbraron con un conjunto de canciones de sustrato clásico, sabiamente producidas por T-Bone Burnett que se imponían solemnes con una maquinaria instrumental de mucha pegada, con letras cargadas de referencia locales y sentimentales y con gran ambición rockera. En el 93, el disco quedó algo eclipsado por el sobreradiado Mr. Jones. Con todo, era un disco que contiene muchas CANCIONES y muchos ambientes diferentes - épico, tradicional, recogido e íntimo, eufórico,...- y como todos los de los Counting Crows, concienzudamente trabajado en todos sus aspectos: desde el arte de la carpeta hasta el ultimo arpegio. Adam Duritz, autor y cantante de la banda se erigió aquí como voz personalísima y llena de matices y escritor de canciones a seguir.

Su siguiente obra, Recovering the satellites, ya fue objeto de algún cuestionamiento. Para mi, incomprensiblemente, pues el sonido renovado e irrepetible y alejado de las formas clásicas mas evidentes del August... les llevaba a otros lugares bien atractivos y de cuidada oscuridad. Lo cierto es que su influencia es innegable, y como autores de ese rock adulto y visceral, a la vez que muy generoso en lo musical, no conocen parejo; sí muchos imitadores. Lo tenían (y lo tienen) todo: canciones, músicos excepcionales, un cantante con un feeling único y un empeño en los arreglos musicales que hace que cada disco sea un apetecible banquete sonoro. De momento, y a la espera de la nueva entrega, rememoramos las historias y confesiones empañadas de este August and everything after (indiscutible titulazo, por otro lado).

In our days we will live like our ghosts...

2008-03-09T04:37:00.000-07:00

Con The Shepherd’s Dog, regresa Iron and Wine tras el trabajo conjunto con Calexico, más armado en el envoltorio y con un sonido no tan de dormitorio. Lo hace crecido en confianza, con historias como The Resurrection Fern, nombre a la altura de la canción con el que te desentraña tres o cuatro destellos de misterios pendientes. Para escuchar por la mañana o por la noche, antes o después de que averigües esas tres o cuatro cosas que te faltaban o que te sobraban. Las mismas que te apremia decir antes de que termines convertido en un fantasma.

Maxïmo Park: plata imbatible.

2008-03-09T00:57:00.000-08:00

Tan desesperados andan los ingleses por encontrar hitos musicales y referentes generacionales que queman a sus bandas jóvenes en un malsano ejercicio mediático totalmente estandarizado y reprochable. Así las cosas, quitando tres o cuatro excepciones, prefiere la prensa especializada tolerar a R.E.M. antes que a James o alabar ostentosamente a Johnny Cash mientras olvidan ignorantes a June Tabor. Con todo, parece que hay bandas y artistas que se sobreponen preservándose del “más difícil todavía”. Quiero pensar en Maxïmo Park, en los que ya se ha abandonado la anécdota recurrente de que si trabajan para WARP (sello de “música electrónica avanzada” dentro del cual, son el único grupo de “pop-rock convencional”) o que si toman el nombre de un revolucionario cubano ( Máximo Gómez), grabando un segundo disco rotundo (descontando el anterior Missing Songs que era un compilado de caras B y maquetas).

La urgencia de un primero que te hacia levantar la cabeza ( A certain Trigger) se mantiene y se afila en Our earthly pleasures, aún más acelerado cuando quiere y más ambiental si se le deja. No es habitual encontrar un grupo de pop que gusten de usar palabras de cuatro y cinco silabas en sus estrofas y tan consecuentes a la hora de hablar y planear su música desde la convivencia y aceptación de su herencia british. A la caza de la intensidad desde la contención y desde la modulación, los de Newcastle, abren todas las líneas con unas canciones memorables y con la ayuda acertada del gran productor Gil Norton (Counting Crows, Levellers...).

Wolfstone: divide y reafirma.

2008-03-09T00:42:00.000-08:00

Con Terra Firma, Wolfstone, banda escocesa y referente histórico del rock celta y el folk-rock en general, se renuevan con otro cantante y compositor, con unas canciones que respiran sol, verde y agua en su disco mas completo en años. Lo que hacen, no responde a un plan premeditado e interesado de fusión de estilos sino que bebe de la más absoluta y simple cotidianeidad. En la era de la "información", ¿cómo se percibe a Bob Dylan desde Inverness cuando te hartaste de recitar versos de Robert Burns y de escuchar a Dick Caughan? No se tampoco como reciben el pop de “radio formula” pero de todo queda en las canciones de Terra Firma.

Desde The Half Tail Wolfstone no se terminaban de encontrar, sufriendo en todos los discos la carencia que supone que las canciones cantadas quedaran siempre ensombrecidas por las instrumentales, lo cual perjudicaba sin remedio al resultado final. Stuart Eaglesham era un cantante aceptable pero Ross Hamilton es mejor, y es inteligente por el primero, ceder y limitarse a segundas voces cuando la banda lo requiere. Con el anterior, Almost An Island, se inicia la recuperación pero tocan techo con las tonadas y así, se presenta necesario un replanteamiento: recular, respirar, observar y decidir. La supervivencia del perro negro esta asegurada con este disco de producción saturada pero perfectamente encajada.

9.

2008-03-09T00:30:00.000-08:00

El segundo disco de Damien Rice, 9, es continuista pero menos. En este caso parece que una segunda parte del exitoso O era lo que se deseaba pues este hombre no es de los que busquen convencer a los indecisos: con una voz y unas canciones como las suyas, casi que te gusta o no te gusta. No hay aquí, temas tan estilosos como The blower’ s daughter pero la visceralidad, los crescendos confesionales y el romanticismo desaforado prevalecen como siempre. Baste escuchar la primera canción (9 crimes) para quedarse envuelto en un nudo. 9 es irregular pero ante la efigie del impacto que produjo el primer disco, opta astuto por algún giro inesperado en la cadencia que beneficia al conjunto; como el de Coconut skins o el de Me, my yoke + i. Más aguerrido en definitiva, como ese Rootless tree, que no es un intento fallido de introducirse en el magma grunge sino un clásico del folk urbano y un pedazo de sentimiento asilvestrado.

Seth Lakeman: basado en hechos reales.

2008-03-02T07:27:00.000-08:00

Seth Lakeman no estuvo en The Big Session Vol. 1 pero participa de su espíritu renovador. El folk británico no estaba anquilosado lo que ocurre es que estaba mediatizado y aun hoy se continua exclusivamente glosando, una vez tras otra, las correrías de Sandy Denny, Fairport Convention y Richard Thompson. Y hasta se recupera a Pentangle y sus derivaciones. No hablemos ya de The Incredible String Band. En pleno auge del nuevo folk y del weird folk se requería un ejercicio de autoafirmación que llamara la atención sobre la vigencia real y saludable del folk inglés. Y eso llegó con el mentado The Big Session Vol.1, disco aglutinador, seminal pero también esclarecedor y visionario que orquestaron en 2004 Oysterband con la ayuda de nombres consolidados (Eliza Carthy, June Tabor), nuevos refuerzos (Jim Moray) y depositarios de las canciones de ida y vuelta (The Handsome Family).

En Freedom fields (2006) hallamos ese perfil contestatario y combativo por un lado y evocador y romántico por otro. La música, como ocurre con la de Oysterband ya no nos remite necesariamente al pasado pues se ha encontrado la manera de continuar enraizado a la vez que se destapan multitud de puntos de conexión con el presente, no sólo temáticos sino también estilísticos; ahí esta esa insólita reminiscencia del rhytm & soul contemporáneo. Sostenido en una instrumentación acústica y en la transparente y sentida voz de su artífice, Freedom fields es un disco que asume con naturalidad una herencia musical que desde la aldea a la ciudad, ondea ahora no para servir de recreación sino para seguir haciendo.